Frecuencia Teatro - Teatro en Canarias

Noticia de una despedida

2009-02-24T15:23:00.000-08:00

Imanol Suárez

Hace meses que debí haber publicado esta carta de despedida que leímos en el último programa de Frecuencia Teatro. Para subsanar esta falta al fin la cuelgo. Aprovecho para deciros a los pocos que os de por pasar por aquí que como dijimos, ya hace tanto tiempo (en junio del año pasado), Frecuencia teatro, su espiritu, no se ha extinguido. Después de una fase de mucho trastorno laboral y personal propio de todo buen reciendo licenciado en artes escénicas vuelvo a estar maquinando... ya tengo algunas nuevas ideas. Espero pronto poder daros buenas noticias mientras tanto.. Paciencia, todo llegará.

Un abrazo a todos.

Imanol Suárez

Naomi Hernández

Noticia de una despedida:

Señoras, señores: bienvenidos, y hasta luego. Esta carta es un epílogo. Lo que ahora van a ver no es el cierre de un programa de radio. Lo que ahora van a ver es el cierre de un programa de radio. Ustedes no quieren ver el cierre de este programa de radio; ustedes quieren ver el cierre de un programa de radio; ustedes esperan ver el cierre de este programa de radio. Ustedes ven el cierre de este programa de radio. Sea como sea, lo que ustedes oyen nunca ha sido como esperaban. Lo que oyen es lo que esperaban. Lo que han oído es casi lo que esperaban; lo que han oído es casi lo que esperaba. Aun así ustedes esperaban oír (ahora) otra cosa.

Señoras señores hoy cierra Frecuencia Teatro. Sería mejor entonces decir que esta carta es un epitafio, una esquela o un “no te olvidan tus hijos” (lo que quiera que eso sea); pero el caso es que nos despedimos. Un año y medio en antena, repitiendo semana a semana el mismo rito... Y ahora no se cómo hacerlo, cómo decirlo: Nos vamos, se acabó… Finito, arrivederci, andiamo, auf widersen, ¡descanse en paz! se acabó lo que se daba. Esto es-to esto es-to esto es-to-to-to-to-tooooodo amigos. ¡Ay amigos! Sí, amigos. ¡¡¡Pasen y vean!!! The show must go on, qué emoción, qué alboroto, otro perrito piloto, ¡la Barraca de las maravillas maravillosas! ¡La choch… No, eso no.

Nos vamos. Eso ya lo he dicho, ya lo sé, -pues no lo digas. -Lo digo, eso es todo. ¿Están ustedes ahí? Hipogrifo violento que corriste parejas con el viento. ¿Dónde? ¿Dónde? ¿Dónde? ¿Quién sabe?
X: Igual aun no hemos muerto.
Y: Sí, eso; no estamos muertos. No, eso. No estamos muertos. Se lo digo. Es sólo cuestión de cambiarnos de cuerpo, osea de recipiente, osea cambiarnos…
X: Empieza a oler mal.
Y: El teatro es el arte de la palabra; el teatro es el arte de la palabra. El teatro es el arte de la palabra. Las palabras son el arte del teatro. ¡Oh! Lo siento; me había olvidado. Me estaba despidiendo.

Señoras, señores: Me estaba despidiendo. Quisiera hablarles con claridad pero me refugio en enredos. No encuentro las palabras para despedirme. Me faltan. Tengo que decir adiós a estos micros, adiós a estas ondas, adiós a nuestros oyentes y decirles sencillamente que tenemos por delante un futuro incierto… Año y medio en antena y aun sigo poniéndome nervioso cada día, sin dormir algunas noches, cavilando de semana en semana… ¡Dios! en ¿qué voy a emplear ahora mi tiempo?
Frecuencia Teatro nació con una vocación de servicio, con la intención de ser útil, de ayudar a dar una voz (en los medios) al teatro. Con el propósito de luchar, de defender, nuestro arte cada día. Sólo estamos aquí para estar a su servicio. Ahora, con la perspectiva, miro lo que hemos conseguido. Me voy con la sensación de tener el trabajo hecho.

Arturo Padrón

Ahora gracias. Señoras, señores: gracias. Esto será una retahíla inexcusable: Escuela de Actores de Canarias (nuestra casa), Enzo Scala (mentor), María Luján (nuestra madre), Radio Unión (Antonio). Fefi Alberto, Isabel Delgado, (amiga; todo). Organismo Autónomo de Cultura (cuando marche), Sergio Rancel (la conexión), e invitados que no falten: Miguel Ángel Batista (nuestro padrino); Rubens Ametllé; Angelina Llongeras (Catalanes); José Arteaga (el fuego de esas parrillas); Carlos Hipólito (enorme); Helena Lara (siete); Xavier Boada (Señor); Aranza Coello, Nacho Colmenar (maestros de arte); Ana Beatriz Alonso; Michel Mejías; Roberto García de Mesa; Vicente Ayala, (¡Impulso!); Paco Monje, el sabio; Ricardo del castillo, (que no falte); Brian Rodríguez, Marta Viera (¡Viva el Fic!); Carlos Pedrós, Daniel Tapias, Diego Lupiáñez; Miguel Sansón, (migrar es soñar, mucha mierda) Helena Berthelius (la danza), Miguel Ángel Sicilia; Francisco Vera (interesante); Lali Lastra; Andrés Granier; Diego Plazas, Lucia Romano Lastra (Ché, ¿vistes?); Roberto Torres; Josefa Suárez; Victor Gutiérrez; Neftalí Díaz; Bony, Fernando Vecino Morales (¡presidente! ¡presidente!); Julián Ortega (colega) Juan Margallo (Max); David Lorente; Maria Jesús Llorente (teatro para todos los españoles); Helena Romero (Turbo incansable, que nada pueda contigo); Juan Carlos Tacoronte (el actor); María Barranco (María); Misha Matorin, (¡una de circo!); Federico Luppi (el más grande de los grandes); Félix Albó (el hombre más tierno); Alexis Corujo (amigo, amigo); Marino Álvarez (el padrino); Eduardo Jiménez, ese loco; Verónica Bardera (futuro); Fernando Ordóñez y su circuito. Francisco Castellano ¡Silencio! Acaba de entrar un maestro. Lili Quintana, esa Actriz con Mayúsculas; Javier Muñiz (Fama); Francisco Rojas; (Paco, tus versos, tus palabras); David Santos (profe); Antonio Conejo; ¡Ana Zamora! (Venga, Venga)

Otros; grandes: Fernando Fernán Gómez; Marcel Marceau; Carlo Colombaioni; Pilar Quiñones; Gracias, Gracias, Gracias.

Señoras, señores, Verónica Acosta; Naomi Hernández; Arturo Padrón. Aquí esto se acaba; A los tres: mil, mil, 1000 Gracias. Sin ustedes imposible. A los oyentes (fieles).

Señoras señores: Esto fue Frecuencia Teatro.

Imanol Suárez

PD: Nos vemos en el teatro.

19 de junio de 2008

Verónica Acosta

Entrevista a Ana Zamora, la directora de la modernidad clásica:

2008-07-21T16:59:00.000-07:00

Ana Zamora lo tiene claro: esta profesión exige mucho trabajo. Ni haber recibido el premio de la ADE a la mejor dirección novel, ni haber trabajado en el Clásico y en la Abadía, ni haber conseguido que su propia compañía, Nao d´amores, con el repertorio más complicado, haya logrado el éxito y el reconocimiento de público y crítica la han distraído de ese espíritu tenaz que la caracteriza. El trabajo es su principal obsesión. El arte que emana de esa entrega es pura poesía. Hace unas semanas presentó en la EAC “Hojas del Árbol Caídas”, un clásico (Romántico) hecho modernidad.

Imanol: Para empezar una pregunta trillada ¿Cuál es su definición de teatro?

Ana: Pues no me la habían hecho nunca (risas). Yo creo que es un error o un problema hablar de teatro en general; creo que estamos intentando meter en el mismo saco muchas artes distintas. Para mí los musicales son musicales no teatro; la zarzuela es zarzuela no teatro. ¿Qué es teatro y qué no es teatro? Yo tengo claro que para mi es un acto de comunicación y casi de comunión o eso debería ser. Yo me dedico a un arte muy directo que se construye con elementos puramente teatrales. Es la búsqueda de un código especifico de relación entre un señor que se sienta en una butaca y otro señor que habla desde la tablas de manera muy cercana. Para mi el teatro sería eso básicamente y todo lo demás empieza a ser adorno.

Imanol: ¿Podría hacer con sus propias palabras una perspectiva de su labor profesional?

Ana: A ver si me acuerdo de todo. (Risas) A nivel formativo siempre digo que llegué a la RESAD con un bagaje bastante importante. He crecido en una ciudad (Segovia) donde tuve contacto con mucha gente interesante y con un mundo didáctico que estaba muy bien. Yo llego a la RESAD con muchas ganas de hacer teatro y muchas ganas de que me enseñaran como abordar una metodología para hacer teatro. Después rápidamente entrode ayudante en el Teatro de la Abadía de la mano de José Luis Gómez y allí se amplía un poco más mi ámbito de trabajo… era un mundo muy elitista pero muy complejo y muy interesante. Digamos que es un periodo de ampliación de formación y de contacto con lo profesional. En ese momento yo acedo al mundo profesional por dos vías: por un lado por el teatro de la Abadía y por otro lado por Noviembre Compañía de Teatro. Entonces empiezo a compaginar mundo Abadía con mundo Clásico profesional. Y todo eso compaginado con una cosa que yo creo que es hacia lo que hay que tender siempre que es levantar tu propia compañía, crear tu propia estructura, que te permita contar lo que tú quieres como tú quieres. Y como eso no da de comer pues hay que buscar otra manera de que te dé de comer y el dinero que te da una cosa lo inviertes en otra. Y cuando eso ya tiene cierta estabilidad me voy a la Compañía Nacional de Teatro Clásico que es un monstruo de burocracia pero con unas posibilidades insospechadas. Digamos que tanto en la Abadía como en el clásico yo tuve posibilidad de palpar lo que es trabajar en la dirección artística de una institución que es una cosa que creo que en este país se nos ha olvidado, que los grandes directores gestores son artistas a nivel europeo. Y ahora estoy en un momento de mi vida en el que he decidido apostar absolutamente por mi compañía, por dar un paso más allá para conseguir estabilizar esta estructura de trabajo propia, y me puedo permitir dar saldos a diferentes sitios o hacer parones para seguir indagando nuevos ámbitos que es lo que estoy haciendo en Canarias ahora mismo.

Imanol: ¿Qué se necesita para hacer una buena puesta en escena?

Ana: Se necesita primero tener claro qué es lo que se quiere contar y luego buenos actores, eso es fundamental. Pero sobre todo creo que es muy importante tener claro el concepto inicial porque esa es la clave para articular el resto de elementos. No hace falta dinero, no hacen falta grandes lujos; hace falta tener algo que quieres transmitir al espectador.

Imanol: ¿Qué papel cree que debe jugar el actor en la composición de una obra?

Yo necesito siempre un actor pensante. A mi el actor que se deja conducir cual vehículo de tráfico la verdad es que no me interesa mucho. Seguramente es porque yo no soy actriz. Yo tengo muy claro hacia donde quiero ir, pero necesito que el actor ponga sus armas, su cuerpo, su ser, su voz al servicio de esa historia.

Imanol: Afortunadamente en los últimos años se ha producido una revalorización de los clásicos. En vuestra propia compañía habéis optado por este repertorio…

Ana: Yo creo que estamos poniendo nuestro granito de arena. Siempre digo que nosotros trabajamos con diferentes niveles de lectura y eso es fundamental. No podemos pensar que el espectador es tonto ni mucho menos. Hay espectadores más formados y espectadores menos formados pero todos tienen derecho a un poquito de alta cultura; y la alta cultura no es aburrida, no es dura, solamente hay que darla un poco masticada. Por eso digo que nuestros espectáculos tienen diferentes niveles de lectura. Trabajamos con un nivel simbólico bastante profundo, que el espectador formado a nivel intelectual, que conoce ese mundo iconográfico, descubre. El espectador que no lo conoce simplemente ve un espectáculo que puede entender perfectamente, que es muy visual, que entra por lo ojos y por los oídos y que le hace participar de un mundo que, si no comprende totalmente, sí recibe de manera más visceral.

Imanol: En el 2001 crea Nao d´amores ¿fue el resultado de su propia búsqueda y necesidad de definición? ¿Cuál es el origen de esta compañía?

Ana: Lo que yo pretendía cuando hice la compañía era construir una estructura de absoluta libertad para montar lo que yo quería montar en ese momento y de la manera que yo quería contarlo sin dar explicaciones ni cuentas a nadie. Básicamente esa es la historia. Yo decidí tomarme mi carrera profesional como un periodo de aprendizaje: voy investigando, voy aprendiendo y voy mostrando al público. Era ese espacio de libertad que me permitía experimentar todo mi bagaje preescolar, la metodología aprendida en la escuela y el mundo de necesidad comunicativa que yo tenía, y todo eso hecho a través de intentar articular un equipo estable.

Cartel del Cristo de los Gascones

Imanol: ¿Cuáles cree que son las claves para entender “El Cristo de los Gascones”, vuestro último trabajo, en el siglo XXI?

Ana: “El Cristo de los Gascones” es un sueño de infancia colmado. Se hizo en colaboración con la Junta de Cofradías de Segovia y con el Teatro de la Abadía. Que ¿qué tiene que ver con la gente de hoy o como lo recibe el público de hoy? Al Cristo yo le tenia mucho miedo, pero de repente te das cuenta de que hay que irse atrás y ver qué me interesa a mi de esta anécdota, qué hay detrás de la anécdota. Yo he tenido siempre la suerte de poder contar o hacer los montajes a partir de cosas que tenían mucho que ver con mi momento actual. En este caso correspondió a un momento bastante agrio… la típica etapa mala en la que se te muere mucha gente al alrededor. Esto fue un poco el punto de amarre de esa historia. No era: vamos a montar una pasión. Era: vamos a hablar de un espectáculo que habla sobre la vida y la muerte; sobre la concepción cíclica de la vida y la muerte; de la posible vida tras la muerte o de la muerte que genera nueva vida. No a nivel cristiano pero sí como reflexión con respecto a esa necesidad de creación de un mito que es Jesucristo y que se ha repetido desde el neolítico con diferentes nombres hasta hoy. Si a los neolíticos les venía bien y a los medievales también, hoy seguramente también nos haga falta seguir pensando sobre ese tema y seguir buscando consuelo de alguna manera más allá de esa figura.

Imanol: Que en el siglo XXI un “misterio religioso” haya conseguido un éxito tan asombroso debe dejar a los propios creadores desubicados.

Ana: Yo creo que tiene que ver con lo que te decía: la gente quiere ver cosas bonitas, quiere escuchar cosas bonitas, quiere escuchar textos interesantes y lo que estamos contado con “El Cristo” es absolutamente universal. La línea argumental sobre la que se sustenta toda la dramaturgia son los plantus mariae osea las lamentaciones de la Virgen al pie de la cruz; con lo cual estamos escuchando unos textos de una belleza poética maravillosa de una madre lamentándose de la muerte de un hijo y eso algo en lo que mucha gente se ve reflejada.

Momento de "Hojas del Árbol Caídas". Este espectáculo pudo verse del día 3 hasta el 6 de julio en la sede Tinerfeña de la Escuela de Actores de Canarias y los días 8 y 9 en la Sala Insular de Teatro de Las Palmas.

Imanol: Recientemente ha estrenado en Canarias una adaptación de “El Estudiante de Salamanca” de José de Espronceda, una figura sin la cual no se entendería el siglo XIX en España. Sin embargo, apenas se le conoce. ¿Por qué lo eligió y qué nos puede decir de él?

Ana: Es el gran olvidado y hay un montón en la historia de la literatura española porque, como somos tan cenutrios en este país, nos hemos ido quedando con cuatro y olvidando al resto. Espronceda era una cuenta pendiente y por eso creo que ahí sí hemos acertado. Es decir, es perfecto para un taller de investigación y de búsqueda. Es un homenaje que había que hacerle y que nos tememos que hacer también a nosotros mismos. Pero hay muchísimos: por ejemplo una figura como Larra. El romanticismo español es una maravilla.

Momeno de "Hojas del Árbol Caídas"

Imanol: Finalmente el espectáculo, resultado final del Taller de Teatro Clásico (asignatura incluida dentro del currículo de cuarto curso de los estudios superiores de arte dramático impartidos en la Escuela de actores de Canarias) recibió el título de “Hojas del Árbol Caídas”. El simple acto de cambiar el nombre es ya un indicativo de la absoluta libertad con la que se ha abordado esta puesta en escena…

Ana: Sí, yo creo que hay que ser siempre sincero con el espectador y en este caso con nosotros mismos. Nosotros no estábamos intentando montar “El Estudiante de Salamanca”; estábamos haciendo un trabajo inspirado en “El Estudiante de Salamanca”. La línea argumental nos lleva, pero en realidad lo hemos convertido en un trabajo coral y de búsqueda entorno a la figura de Espronceda y sobre todo el mundo de un autor donde vida y literatura se mezclan absolutamente. Es una búsqueda de quién es Espronceda, de quién es el estudiante y de qué tipo de arquetipo de Don Juan nos otorga el romanticismo más liberal. Estamos haciendo un trabajo a partir del romanticismo y de una dramaturgia mucho más libre. Es muy importante toda esta cosa de las ilusiones perdidas… con lo cual a mi me parece que un buen título era “Hojas del Árbol Caídas” que es el primer verso de una quintilla de “El estudiante de Salamanca”.

Imanol Suárez

Publicado en "La Opinión de Tenerife" el 19 de julio de 2008 dentro de la Revista Semanal de Ciencia y Cultura "2C" (Nº 397)

Nace el Laboratorio de Escritura Audiovisual de Canarias

2008-06-19T15:47:00.001-07:00

LEAC
El Laboratorio de Escritura Audiovisual de Canarias tiene como objetivo principal perfeccionar el nivel de los guiones escritos en Canarias para que puedan competir en cualquier mercado audiovisual del mundo.

El LEAC es, por tanto, una entidad de formación y desarrollo de guiones audiovisuales competitivos en un mercado profesional complejo y que está en constante evolución. Guiones que además sean coherentes con las necesidades culturales e industriales de la Comunidad Canaria. Viables en su producción, interesantes en su temática, creativos y bien escritos.

No hay buenos guiones sin los guionistas que los escriban. Por ello el LEAC se diseña también como una herramienta para el desarrollo de las habilidades de los propios escritores que participen en él. El guionista termina este Laboratorio no sólo con un guión profesional, sino con un nuevo “set” de herramientas que le ayuden a escribir otros.

Entendemos como algo esencial que el guionista tenga un conocimiento profundo del mercado para el que trabaja. Por ello el LEAC quiere ser el primer lugar de encuentro entre los guionistas, sus proyectos y la industria, que es a la postre el receptor final del trabajo realizado.

Este doble proceso de escribir guiones profesionales y a la vez de formar a los guionistas, necesita del tiempo, los medios y la supervisión adecuada. Desde esta premisa hemos diseñado el LEAC, con la convicción de que la formación de calidad es la mejor base sobre la que sustentar el crecimiento de la cultura audiovisual canaria.

El LEAC tiene también una vocación formativa más amplia que completará sus objetivos con la puesta en marcha de seminarios especializados impartidos por profesionales de reconocido prestigio.

Presentación
Una construcción ha de sustentarse en unos sólidos cimientos si deseamos que aguante muchos años. Para ello necesitamos contar con profesionales que dominen las técnicas y las herramientas necesarias para el desempeño de su oficio.

Lo mismo ocurre cuando hablamos de cine. Sin unos buenos cimientos, un buen guión, una película se nos puede venir abajo.

En estos momentos en los que estamos inmersos en el desarrollo del sector audiovisual canario necesitamos de excelentes profesionales que estén capacitados para poder contar historias que sean capaces de adaptarse a la realidad del sector audiovisual canario y que trasciendan fronteras.

Es por ello que desde la Viceconsejería de Cultura y Deportes del Gobierno de Canarias, a través de la empresa pública Canarias Cultura en Red, nos hemos propuesto dotar de las herramientas necesarias a nuestros guionistas para que a lo largo de un año, con el apoyo de profesionales de primer orden, desarrollen un guión y se sumerjan en un proceso de intercambio creativo y de crecimiento profesional. Con este objetivo nace el Laboratorio de Escritura Audiovisual de Canarias que esperamos sea un proyecto que se consolide en el tiempo y que contribuya al desarrollo y consolidación del sector audiovisual canario.

Alberto Delgado Prieto Viceconsejero de Cultura y Deportes Gobierno de Canarias

Más información en http://www.leac.es/index.html

Mañana estará en Frecuencia Teatro la directora teatral Ana Zamora

2008-06-04T07:40:00.000-07:00

La creadora de Nao d´amores, una de las compañías revelación de la más reciente escena española, nos acompañará mañana en nuestro programa. Ana Zamora, quien se encuentra en Canarias dirigiendo en la Escuela de Actores de Canarias el Taller de Teatro Clásico de 4º curso de Interpretación, nos hablará de su trayectoria profesional, de su compañía y de su último trabajo, "El Misterio del Cristo de Los Gacones", una pieza cuyo éxito supone un hito sin precedentes para este repertorio. También hablaremos de "Hojas del Árbol Caídas" una reelavoración de la obra "El Estudiante de Salamanca" de José de Espronceda (para el ya nombrado Taller de Teatro Clásico de la EAC) que es estrenará en la la Sede Tinerfeña de la citada Escuela los próximos 3, 4, 5 y 6 de Julio y que cerrará en Las Palmas con dos funciones (días 8 y 9 de julio) en la Sala Insular de Teatro.

Tras obtener en 2000 la Titulación Superior en Dirección de Escena por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, realiza varios trabajos con figuras como Eduardo Vasco o Alex Rigola. En 2001 crea Nao d´amores compañía en la que gracias al trabajo de recuperación del repertorio medieval y renacentista español ha recibido el reconocimiento y el aplauso del público y la crítica lo que recientemente le mereció la nominación al Premio Valle Inclán de Teatro de la revista "El Cultural" compartiendo candidatura, entre otros, con Angélica Lidell, Alfonso Sastre y Blanca Portillo.

Matrícula Abierta para el curso 2008-2009

2008-05-28T11:34:00.000-07:00

ARTE DRAMÁTICO
ESPECIALIDAD INTERPRETACIÓN

Enseñanzas de grado superior de Arte Dramático, en la especialidad de Interpretación (Opción Textual), lo que le otorga el derecho a la obtención del Título Superior de Arte Dramático, equivalente a todos los efectos al de Licenciado Universitario (LOGSE: Art.45.1), autorizado según Orden de 26/07/96 de la Consejería de Educación, Cultura y Deportes del Gobierno de Canarias (BOC 1997/015 de 3 de Febrero y BOC 1999/087 de 7 de Julio).
Para consultar las Bases de la Convocatoria de las Pruebas de Acceso a los Estudios Superiores, pinchar en el siguiente enlace:

http://www.gobiernodecanarias.org/educacion/udg/art/documentos/Conv0809/Resolucion_Pruebas_de_Acceso_08-09.pdf

1- La inscripción para realizar las pruebas de acceso se formalizará en la Secretaría del Centro Superior Autorizado de Arte Dramático "Escuela de Actores de Canarias", desde el día 5 de mayo al 31 de julio de 2008; y del 1 al 12 de septiembre de 2008.

2. Para formalizar la inscripción para realizar las pruebas de acceso, será necesario abonar las tarifas correspondientes, rellenar un formulario de solicitud que se recogerá en la Secretaría de cualquiera de las dos sedes del Centro Superior Autorizado de Arte Dramático "Escuela de Actores de Canarias", y presentar la siguiente documentación:
◊ Fotocopia del DNI.
◊ Documentos acreditativos de haber superado el Bachillerato o estudios equivalentes.
◊ Certificación médica en impreso oficial de que el aspirante no tiene impedimentos físicos ni padece enfermedad de cualquier índole que puedan interferir en el normal desarrollo del trabajo escolar. Durante el desarrollo de las pruebas el Tribunal podrá disponer del asesoramiento de profesionales de la medicina o de otras especialidades con el objeto de ayudarle a evaluar el estado físico de los aspirantes.
◊ Cuatro fotos de tamaño carnet, con el nombre completo del aspirante escrito al dorso.
◊ Para los aspirantes que deseen acceder por la vía de mayores de veinte años y que no hayan superado el Bachillerato o equivalentes, deberán aportar un curriculum vitae o memoria documentada de las actividades o los trabajos que configuran su experiencia en el ámbito del Arte Dramático.

3. Para el abono de la tarifa de inscripción a las Pruebas de Acceso, el aspirante hará efectiva la cantidad de noventa ( 90 € ) euros, en la C/C nº 2065 0096 37 1400049318 de CAJACANARIAS, a nombre de la Escuela de Actores de Canarias Sociedad Cooperativa.

4. La cumplimentación de estos requisitos confiere al aspirante el derecho a presentarse a las pruebas de acceso. En ningún caso el candidato puede ser considerado alumno de la misma hasta que no supere tales pruebas, obtenga el derecho a una plaza y haya formalizado su matrícula como alumno del centro.

Presentar documentación en Secretaría: De Lunes a Jueves: De 10 a 17 h. Viernes: De 10 a 15 h.

Puede rellenar la solicitud de preinscripción desde la página web de la EAC: http://www.webeac.org/web/

Un Saludo. Secretaría EAC Sede Tenerife.

C/ Pedro Suárez Hernández, s/n § 38009 S/C Tenerife. ( 922 23 53 10 / 57 91w Fax: 922 22 02 04. tenerife@webeac.com

C/ Sor Brígida Castelló , 1 § 35001 Las Palmas de Gran Canaria. ( 928 33 47 84 wFax: 928 33 47 85 grancanaria@webeac.com

“PREMIOS BUERO DE TEATRO JOVEN”

2008-05-28T03:24:00.000-07:00

Los PREMIOS “BUERO” DE TEATRO JOVEN, han otorgado en su Quinta edición la MENCIÓN ESPECIAL A LA DIRECCIÓN DE LAS OBRAS "OPOSITORES Y VOCES DEL MUNDO", por la labor de Dirección y Puesta en Escena de BALTASAR ISLA Y ARANZA COELLO del grupo de teatro formado por los jóvenes que asisten a sus clases en la EAC Sede Tenerife, todos los miércoles de 17:30 a 20:30 h.
Las entidades que promueven y apoyan los PREMIOS “BUERO” DE TEATRO JOVEN – Ministerio de Cultura, Ministerio de Educación y Ciencia, y la Fundación Coca-Cola Juan Manuel Sáinz de Vicuña- persiguen incentivar el gusto y la afición por el teatro y estimular la creatividad artística de los jóvenes.

"La propuesta surge porque todos los años elegimos un valor pedagógico a tratar durante todo el curso y en esta ocasión nos inclinados por la COEDUCACIÓN que hace referencia a la educación conjunta de dos colectivos humanos específicos: los hombres y las mujeres. La coeducación designa una cierta manera de entender la educación de niños y niñas y la conveniencia de que estos reciban una misma educación enfocada hacia la igualdad". BALTASAR ISLA Y ARANZA COELLO.

La Entrega de Premios tuvo lugar el pasado Domingo 25 Mayo 2008 en la Casa de la Cultura de Los Realejos (Tenerife)

¡ FELICIDADES ! a todas las personas que han hecho posible este proyecto, especialmente a los JÓVENES participantes en él.

XVI Noche de los Cuentos

2008-05-27T15:45:00.000-07:00

XVI NOCHE DE LOS CUENTOS
Pinocho

Más de tres lustros de historias.

Troysteatro vuelve a apostar por la magia de la palabra.

La cita será este año en el lagunero ex- convento de Santo Domingo el 31 de mayo de 2008

Como en las últimas ediciones habrá sesión infantil, a partir de las 17:00 h. y, a partir de las 22:00 h., sesión adulta; tampoco faltarán las visitas de contadores a centros escolares con La Noche de los Cuentos visita el cole y un prólogo, Cuadrilátero de Cuentos, en varios locales nocturnos y espacios culturales de La Laguna el día anterior, 30 de mayo a partir de las 20:30 h (Café Don Tito, Café Época, Buho Club y O’ Clock)

Quince años de largas sesiones nocturnas en las que contadores de todo tipo daban rienda suelta a las historias que traían en su sayo dan para mucho, para muchos cuentos, para mucha cultura. Ese sigue siendo el fin de Troysteatro con la organización de La noche de los cuentos: crear cultura, contar historias y hace partícipes de ello a cientos de personas en una iniciativa que aspira a conservar ese punto mágico que dan los cuentacuentos a sus relatos. Con el paso de los años La noche de los cuentos ha ido evolucionando, creciendo, pero siempre se ha sostenido sobre el ideal de contar la vida de mil maneras, con mil estilos y formas y con la palabra como gran arma de comunicación. Aquello que empezó con una velada para que cualquiera contara una historia, ha mutado en un proyecto que incluye visitas a centros escolares, a contadas en locales nocturnos, a una jornada infantil y a otra adulta, en las que también tienen cabida el teatro o la música en directo. Este año la XVI edición de La noche de los cuentos se enfrenta a un nuevo reto, cambiar, otra vez, de ubicación. De los orígenes en nuestro mitificado Magisterio, a la Ermita de San Miguel o a los Multicines Agüere del año pasado, pasaremos en esta ocasión a un espacio distinto, único, y que obligará a cambiar la concepción, en parte, de La noche de los cuentos. Este años se levantará el telón de los cuentos en el convento de Santo Domingo. Su patio, sus pasillos de columnas, sus salas multifuncionales y la plaza que lo antecede será el improvisado escenario para contadores profesionales y espontáneos, algunos de ellos fieles desde hace muchísimos años.

profesionales o no, niños o adultos, preparados o espontáneamente...
Como invitados en esta edición tendremos a Charo Jaular (Zamora), Nacho Insúa (Santiago de Compostela), Félix Albo (Alicante), Carlos Alba (Asturias) y Patricia Mcgill (Barcelona). Ellos, oficialmente, animarán la noche con su trabajo, al que se unirá el de todos los contadores que quieran subir al escenario.

PROGRAMA.

30 de Mayo de 2008

La noche anterior, el viernes 30 de mayo a partir de las 20:30 h. se desarrollará la denominada actividad Cuadrilátero de Cuentos en la que los narradores invitados junto a ocho narradores locales harán las delicias del público que asista al Café Don Tito, al Buho Club, Café Época o Pub O’Oclock.

31 de Mayo de 2008

PARA LOS NIÑOS
12:00 h. Pasacalle por la Cía. Troysteatro bajo el título Cuenteando hasta Pinocho por la calle Obispo Rey Redondo y aledaños.

16:30 h. Actuación de la Cía. Troysteatro por la C/ Obispo Rey Redondo
hasta el antiguo convento de Santo Domingo con el pasacalle
Cuenteando hasta Pinocho.

17:00 h. Actuación de la Cía. Teatrejo (Los Realejos) con el espectáculo
Cuentos por teléfono.

17:30 h. Actuación de la Cía. Troysteatro con el espectáculo La cajita de
Música bajo la dirección de Óscar Bacallado

18:00 h. Contada infantil. (Abierta a todos aquellos niños que quieran
contar un cuento)

21:30 h. Descanso.

PARA ADULTOS

22:00 h. Actuación de la Cía. Teatrejo con los espectáculos escénico .
Cuentos desde el manicomio.

22:45 h. Apertura de la maratón de cuentos. . (Abierta a todas aquellas
personas que quieran contar un cuento)

01:00 h. Chocolate y dulces para seguir contando.

Gracias Carlo; Fallece Carlo Colombaioni

2008-05-24T04:01:00.000-07:00

A Carlo pudimos verle por última vez en Canarias en el Festival Internacional Clownbaret 2007. Nos hacemos eco de la noticia según como fue recogida en El País.

OBITUARIO
Carlo Colombaioni, el mejor payaso del mundo
Trabajó para Federico Fellini y con Dario Fo
ROSANA TORRES 21/05/2008

Carlo Colombaioni, uno de los grandes clowns, heredero directo de los legendarios payasos de la Commedia dell'Arte italiana, falleció el 15 de mayo en su casa de Saint Chef, cerca de Lyon, donde vivía con su esposa, Catherine, y Milo, su último hijo. Tenía 75 años y era padre de Naomi Colombaioni, hija de un anterior matrimonio. Un infarto fue la causa de su muerte.

Conocido mundialmente por su colaboración, junto a sus hermanos, en la película Los clowns, de Federico Fellini, Colombaioni, que pertenecía a una larga estirpe de payasos, se planteó en un momento dado cambiar la carpa de un circo por los escenarios de los teatros y los platós de cine y televisión, algo que tuvo que hacer, según confesó en muchas ocasiones, para poder sobrevivir.
Miembro de una familia de artistas con una tradición que se remonta a más de trescientos años, Carlo ha sido considerado en los tratados del clown como uno de los grandes maestros que mantenían su oficio tal y como se desarrollaba desde hace siglos. Fue pionero en no pintarse el rostro para salir a actuar ni ponerse la nariz típica del payaso, y ha trabajado, entre otros, con Dario Fo.
Practicaba su género a través de unas técnicas y un estilo tradicional, sobre todo si se le compara con otras figuras del mundo del clown, como Jango Edwards o Leo Bassi, con los que coincidió en numerosos festivales y muestras internacionales. No empleaba accesorios, y la estructura de sus espectáculos era una sucesión de sketches en los que, haciendo uso de la farsa y la desmitificación, llevaba a escena temas diversos, pero siempre logrando que se identificara con ellos un público de todas las edades.
Considerado uno de los grandes en su género, en el año 2002 y dentro del Festiclown de Pontevedra, al que acudieron especialistas internacionales, Carlo fue proclamado como el mejor clown del mundo.
Durante más de 30 años actuó junto a su cuñado Alberto Vitali, bajo el nombre de I Colombaioni y ambos desempolvaron el cliché anquilosado que pesaba sobre los payasos. También creó un espectáculo en solitario, tras el fallecimiento de su cuñado. Lo estuvo representando hasta hace poco, y en él ofrecía una muestra comparativa sobre la evolución del arte clown a través de gags y sketches sobre la guerra, la Iglesia, Pinocho, los malabares...
Colombaioni visitó en numerosas ocasiones España, donde se dio a conocer en los años setenta, y desde entonces no dejó de ser reclamado en sus escenarios.
Está previsto que el XIII Festival Internacional de Clown, que se celebrará en septiembre en Madrid, le rinda un homenaje. Entre sus últimas visitas a España se cuentan las que hizo para participar en este mismo festival en sus ediciones tercera y sexta (1998 y 2001), en la Sala Montacargas de Madrid, donde también impartió varios cursos con discípulos como Alex O'Doguerty y Eva Hache, entre otros.

La Tortuga de Darwin; Todo es cuestión de adaptarse

2008-05-12T19:29:00.000-07:00

Todo es cuestión de adaptarse; si no cuesta tanto. Uno se traslada a un entorno nuevo y tiene que poner un poco de su parte para amoldarse a los nuevos requisitos. Es obligatorio y aquí no puede uno ser selectivo, por aquello de que si confiamos demasiado en nuestras cualidades es posible que algún día por falta de previsión nos quedemos obsoletos y ya no estemos a tiempo de aclimatarnos, ni de desarrollar plumas, ni rabo. El caso es que vengamos del mono o de La Cabra, ya lo dijo Darwin (creo) tenemos que adaptarnos, no podemos ir de sobrados (menos aun en el mundo del teatro) por más que tengamos mucha confianza en nuestro producto. No es suficiente contar con una tortuga bípeda parlante resultado de sin igual trabajo interpretativo lleno del talento propio de un genio. NO. Tienes que ofrecer algo más; y sobre todo no puedes empezar ganándote la animadversión de algunos espectadores con determinadas acciones.
Cuando desde la producción de La tortuga de Darwin me comunicaron que (por primera vez en la historia del programa) los actores nos negaban una entrevista, casi no podía dar crédito. Vale que esas cosas pasan, pero… ¿Es que les costaba tanto? ¿Tan difícil era dedicarle unos minutos a alguien que a fin de cuentas lo que va a hacer es promocionar tu espectáculo del cual por cierto se había vendido apenas la mitad del aforo? ¿Es o no es ésto falta de adaptabilidad? Pero en fin, vamos a lo nuestro.
Esta es una obra de Juan Mayorga (Premio Nacional de teatro), con Ernesto Caballero, uno de los mejores directores de escena con los que cuenta España, al frente; contaba con el mejor equipo técnico (José luis Raymon, Ikerne Jiménez…) y con actores de renombre. Y todo hecho nada. Nada porque esta tortuga se quedó coja en su particular camino evolutivo del texto a la escena. Expliquémonos.
La obra comenzaba soberbiamente. Desde el primer momento la inconmensurable Carmen Machi nos transportó a su particular realidad. En cuanto puso el pie en escena el Guimerá quedó en silencio pendiente de su avanzar torpe y lento en la búsqueda del ocupadísimo historiador que la recibía a regañadientes. Desde ese instante su trabajo fue un despliegue de talento. Lástima que éste fuese casi el único fuerte de una obra que se tornó lenta, pesada, sin conflicto… y ésto fue, entre otras cosas, porque en lo escenográfico la verdad es que no se lucieron. La decisión de meter a todos los protagonistas en un terrario es la típica idea que está bien cuando se piensa pero que llevada a su ejecución pierde la fuerza que encerraba como concepto. Siendo original, y la verdad bastante práctica para el trabajo de los actores y el desarrollo de los acontecimientos, se veía falsa, antiestética, distorsionadora como soporte dramatúrgico. El trabajo en vestuario y atrezo fue bastante acertado, dando a cada uno lo que requería. De especial mención es lo que hicieron con Harriet (la tortuga) un ejercicio de caracterización brillante que supuso un elemento más para la composición y definición del personaje. Los del ámbito técnico también tuvieron su momento, con los dos espacios (el del historiador y el del doctor) bien elaborados, creando ambientes y yendo al compás sin imponerse.
Pero todo ésto no sirve cuando los pilares más básicos que sostienen la obra fallan. El primer gran error podría decirse que es el propio texto. Si bien cuenta con partes espectaculares de gran profundidad y carga, hay otras tantas que están de más, liando la narración. Tanta amalgama terminó por delatar un excedente de personajes que no aportaban nada como refuerzo de la trama. Ni la mujer del historiador era necesaria, ni tampoco el “doctor siniestro”. Que todos pretendían utilizar a la tortuga eso ya sabíamos; lo aportaba el historiador no era necesario rizar el rizo. Esto fraguó una pieza con transiciones insufribles donde lo único que hacía el espectador era esperar que retornara Harriet a su narración histórica.
El segundo de los grandes fallos, dicho esto con el mayor de los respetos hacia los compañeros de profesión, fue el encontrarnos en escena con unos actores (salvando a Machi) incapaces de empatizar, de transmitir, de emocionar. Definitiva y sorprendentemente ni Vicente Diez, ni Susana Hernández, ni Juan Carlos Talavera convencieron.
Carmen Machi, quien nos regaló uno de los mejores trabajos interpretativos vistos recientemente en el teatro español, fue la única que contó con el justificado beneplácito del público. Lo que esa mujer hace en esta obra pasará a los anales de la historia. Su transformación es tan absoluta que deben haberle salido escamas sobre los pelos. Inquieta y enérgica fue la mejor baza que jugó nuestro querido Ernesto Caballero en esta propuesta suya la tercera que por estos lares vemos en esta temporada.
De modo que resumiendo “La tortuga de Darwin” con permiso de Machi fue en términos generales poco agraciada; pero también fue una invitación a plantearnos dudas, un ataque serio a nuestras culpas, un repaso a nuestra historia por refrescar lo que hemos hecho.
¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? decía Cezanne hace tanto tiempo. Completando la pregunta y haciendo caso de su amo, Harriet preguntaría ¿Nos adaptamos?

Imanol Suárez; 12 de Mayo de 2008

Carmen Machi protagoniza "La Tortuga de Darwin"

2008-05-02T05:15:00.000-07:00

Uno de los espectáculos imprescindibles de esta temporada llega al fin al Guimerá. "La Tortuga de Darwin" protagonizada por Carmen Machi es un encuentro con nosotros una visión de la historia desde abajo.
Una noche un historiador recibe una insólita visita: una señora que se identifica como Harriet y que resulta ser la parlanchina tortuga que Darwin trajo de las Galápagos, al parecer la criatura más anciana del mundo. No sólo ha sobrevivido a su amo, sino además a toda una serie de hitos históricos: dos guerras mundiales, la Revolución Industrial, la de Octubre y la Perestroika. Como testigo especial posee un gran valor para los estudiosos. Su conocimiento de los detalles más inverosímiles y los saltos en su evolución personal sorprenderán a más de uno. La historia vista desde abajo.
La historia del devastador siglo XX es el tema principal de esta Tortuga de Darwin, una sugerente fábula escrita por Juan Mayorga en la que resuenan ecos de Kafka, Ionesco y Bulgakov.
Un planteamiento que pretende ahondar, según Ernesto Caballero en el terreno de lo alegórico y lo fabuloso, y que les ha llevado a idear como espacio de representación un gran terrario en el que cohabitan los personajes de la obra con algunos de los inopinados dirigentes que han protagonizado el lado más ominoso de nuestra historia reciente. Se pretende así resaltar las cuestiones que con agudeza e ironía se suscitan.

Las funciones, que comenzarán a las 20.30 horas (días 2 y 3 de mayo), han sido programadas por el Organismo Autónomo de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife.

Palabras como Mueca

2008-04-27T12:06:00.000-07:00

A veces resulta intensamente curioso encontrar las vicisitudes, los giros y los viajes que pueden encerarse dentro de una sola palabra. El término, el sustantivo, mueca hace referencia, según lo que podría decir algún diccionario, al gesto, reacción o postura expresiva de la cara que pretende transmitir una información. Pudiera decirse entonces, aceptando esto, que esas son las palabras útiles que definen lo que es mueca. Sin embargo, la palabra se torna siempre compleja; definir no es lo mismo que captar las raíces, ni que navegar por los mares ocultos de lo profundo, ni bogar hasta lo metafísico. Es obviar lo subjetivo, acomodarse a lo simple, quedarse anclado a la superficie del “para entendernos”. Y así uno se pierde los entresijos de la belleza errante encerrada en las palabras, sus misterios, y los secretos de las pequeñas cosas, el todo manifiesto, Las Horas, las cosas que diría con solo mirarla, la noche estrellada que habló Van Gogh mirando a la luna en vez de ceñirse a ser simplemente cuerdo; y saber que era un inconformista, que todo gana sentido según uno lo quiera, y que quizás nada se explique por si solo pero que siempre habrá una definición recurrente para referir a la pintura y a las convulsiones convexas y a las horas que uno tiene y también, por supuesto, a la palabra mueca.
Volviendo sobre el tema, Mueca no es una palabra simple; por contra, es compuesta y contiene en si misma una definición. Mueca es muestra pero también es calle y horas, y sol y sobre todo arte, mucho arte. Hablo pues (lo habrán intuido) del pasado Festival Internacional de Arte en la Calle (Mueca). Muchos se preguntarán qué tiene de interesante hablar ahora del festival cuando ya ha pasado el tiempo. Existe la creencia popular de que para muestra un botón y Mueca es una caja de botones entera. Hablar de Mueca, comentar lo que allí se vio, nos permite entender la importancia de algunas palabras, comprender la necesidad de festivales como este; Mueca enseña por qué no se deben condenar al olvido propuestas tan extraordinarias como el Festival Internacional Clownbaret, desterrado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna, acto que supone uno de los mayores ejemplos de desatino y arbitrariedad política de los últimos tiempos. Afortunadamente muy distinta ha sido la gestión cultural en El Puerto.
Mueca (organizado por Producciones del Mar) es el mejor festival con el que cuenta Canarias, y lo es porque el éxito de público (20000 personas), la calidad de los espectáculos, y la organización del evento son pruebas de excelencia. Mueca es un referente. Desde que el telón se abrió empezaron a desfilar por las calles portuenses instalaciones y espectáculos de la talla de “Píaton” de la Compañía Abubukaka una de las mejores creaciones canarias de los últimos tiempos, un complejo despliegue de arte y talento donde siete líneas de paso de peatones luchan contra la desidia bajo la consigna “Migrar es soñar”. Y soñando nos pasamos todo el tiempo. Disfrutamos de las increíbles rutinas del “Circo del aire” destacando por su belleza el trabajo de Circo Dedos. Reímos con el humor desenfadado de Riki López y con el indefinible hombre del látigo de “The Roping Fool”. Quedamos asombrados con el ritmo desbordante de la compañía Clapso que, nos deleitó con la versión rockera de “La Bella Durmiente”, un espectáculo rico, ágil y complejo donde los actores entregaron toda su energía hasta el último momento. “Drago” (Erabab) nos esperaba quizás para darnos “La noticia a tiempo” de la recuperación de la primera obra teatral interpretada en la calle por aficionados de la que se tiene noticia en Canarias. Entre las puertas pintadas y los sabores nuevos nos encontramos al cercano Jesús Rojo con su magia e ingenio y también al inconmensurable Dado, el sin duda mejor ingrediente de esta edición. Demostró su capacidad innata para provocar la risa, para conmover a cada instante, para mantener pendiente de sus giros a cientos de personas que lo miraban perplejos. Al anochecer Los2play tomaba el relevo. Este fue el montaje estrella y el premio del jurado da justa prueba de ello.
Después Capa i Espasa; Divertidos e irreverentes aunque confesaré que a su repaso cinematográfico le faltó algo de ingenio. Mientras, The Chanclettes pusieron la guinda al festival. Otros (“Barreras”, “Robots”, “Sandfantasy”…), delicias que se me quedan en el tintero.
Así que esto fue Mueca, mucho más que un gesto, un festival que le hace a uno plantearse si el arte en la calle no es el más vivo que existe.
Carecer del Mueca nos hubiera privado de tales maravillas artísticas. Sin él, igual que sin el FIC, quedaríamos aislados de todas las nuevas corrientes de creación existentes y que sólo en eventos así recalan en Canarias. Un festival como éste permite conocer, intercambiar, innovar. A todo esto renunciamos cuando nos cargamos estos encuentros. Es el momento de cuestionarnos hacia dónde andamos y qué camino escogemos; quizá deberíamos plantearnos en definitiva qué cultura queremos. ¡Viva el FIC! ¡Viva el Mueca! y las palabras que los hicieron.

Imanol Suárez (Estudiante de arte dramático, director del programa radiofónico Frecuencia Teatro de Radio Unión Tenerife).

Publicado en La Opinión de Tenerife el 26 de Abril de 2008

Páginas de Teatro en 2C

2008-04-25T12:37:00.000-07:00

Desde el pasado 15 de Marzo, la Revista (Suplemento) Semanal de Ciencia y Cultura 2C publicada cada sábado incluida en el Diario La Opinión de Tenerife cuenta con unas páginas dedicadas expresamente al teatro. Desde entonces entrevistas, como la realizada a Ahmed Ghazali y a los miembros de su elenco en la obra "Tombuctú 52 Días a Camello", artículos e incluso un especial con motivo del día Mundial del Teatro han llenado estas hojas de miradas, criterios y opiniones sobre el mundo de la escena.

Con este suplemento, coordinado por la dramaturga y directora Isabel Delgado, se ha venido a llenar un espacio hace tanto tiempo desatendido por la prensa escrita canaria que crónicamente ha tenido olvidado a este arte. A ésto se ha unido la aparición de la revista Anteojos que hace que los teatreros podamos empezar a estar algo más satisfechos.

Mañana Sábado la 2C publicará al fin la revisión del artículo sobre el Mueca, publicado aquí hace unas semanas, ahora bajo el título "Palabras como Mueca". Esta perspectiva sobre la importancia de los festivales para el desarrollo del arte en Canarias es una de las muestras de la pluralidad de opiniones que pretende aglutinar este suplemento. Por todo ello: ¡Feliz andadura!

2C Revista Semanal de Ciencia y Cultura todos los sábados con la Opinión de Tenerife

Suspendido el programa de mañana jueves 24 de Abril

2008-04-23T15:50:00.000-07:00

Con motivo de la programación especial que esta semana está desarrollando la emisora, nuestro programa queda suspendido de emisión esta semana. Frecuencia Teatro lamenta este contratiempo de última hora que nos fue confirmado hace sólo unos minutos por la dirección de Radio Unión Tenerife y que ponemos en su conocimiento lo antes tan urgente como nos ha sido posible.

Rogamos sepan disculparnos.

Imanol Suárez

"Mudanzas S.A." en la Escuela de Actores

2008-04-22T19:51:00.000-07:00

La Compañia Reymala presenta:

"Mudanzas S.A."

Su nuevo trabajo protagonizado por Miguel Angel Batista.

Viernes 25 de abril a las 21 h. en la Escuela de Actores de Canarias ( SedeTenerife ).

¡¡¡ Entrada libre !!!

Me permito la licencia de citar la crítica de Antonio Abdo. sobre el espectáculo tras su estreno en La Palma.

LAS “MUDANZAS” DE LOS OBJETOS

Hemos asistido, en el Teatro Chico, de Santa Cruz de La Palma, al preestreno de la última producción de la Compañía “Reymala”, titulada “Mudanzas S.A.”. El numeroso público que se congregó allí para presenciar el evento, disfrutó, rió y aplaudió largamente a su intérprete y creador del espectáculo, Miguel Ángel Batista.
El carácter tremendamente lúdico y divertido de “Mudanzas S. A.” se concreta en una serie de sketchs, que se suceden y encadenan desde la propuesta inicial: el obrero de un traslado debe, supuestamente, transportar una montaña de cajas que se apilan en el espacio escénico. Esta especie de bracero-clown va produciendo el milagro de transformar (mudar) una serie de objetos que se destacan entre las cosas que pueblan la escena. Esa transformación ante el espectador produce una incontenible hilaridad. Desde un simple zapato que cobra inusitada vida y canta y se mortifica y sufre para regocijo del público, hasta una caja que pierde su estanqueidad y se convierte en vehículo para las más jocosas apariciones y hasta unas simples bolsas de plástico, objeto al fin de un insólito malabarismo.
En este espectáculo unipersonal se evidencian una seria preparación del actor y una gran frescura en la utilización de los recursos para la comicidad, que Miguel Ángel Batista domina sobradamente. Imaginación y precisión producen unos resultados altamente satisfactorios. El ritmo no decae en ningún momento. Alcanza su punto culminante en un soberbio ejercicio de improvisación en el que el público interviene a placer. En suma, un espectáculo a tener muy en cuenta en el panorama teatral de las islas, imprescindible para vivir una hora muy divertida.

Antonio Abdo.
Dramaturgo y director teatral.

Como ellos mismos dicen:

Reymala Teatro surge de una necesidad de divertir divirtiéndose. Quiero decir, unos actores que se suben a un escenario para entretener entreteniéndose, o sea, intentando jugar jugando algo que…en fin, buscando recrear una idea recreándose en ella, no sé si me entienden. En definitiva, comedia, clown, absurdo, un lenguaje para chicos y grandes, para púberes, vírgenes, zangalotes y rebenques, pibes y pibas, mozuelos en edad de merecer que los merezcan, para novios y matrimonios, para solteros y viudos, para cornudos ignorados y adúlteros resabiados, para divorciados y separados… una mezcla que si no la has visto no esperes a que tus vecinos te lo cuenten.

No se pierdan lo último de Reymala.

Nota

2008-04-19T04:03:00.000-07:00

He recorregido la crítica de "El Apagón" creo que ahora está más clara.
Un abrazo a todos.

"El apagón" (Producciones del Mar): La construcción del personaje o cómo ponerse encima un alicatado:

2008-04-16T04:41:00.000-07:00

Esta tarea es muy fácil y sencilla. En primer lugar debemos de tener dispuestos todos los materiales que vamos a utilizar. Necesitaremos un cubo o en su defecto tambor eléctrico para poder hacer la mezcla; un par de paletas, un saco de cemento (mejor si es una bolsita de Panda) y un actor. Cogemos el cubo, echamos dentro unas cuantas partes de agua, la bolsa de panda y una buena proporción de superficialidad. Mezclamos bien y con la espátula o paleta se lo echamos por encima al actor. Luego cogemos los azulejos de imágenes artificiales, los de las poses exageradas, los de los gestos grandilocuentes y los rodapiés de las voces tontas y los pegamos sobre la mezcla bien colocaditos. Ya está. Ya tenemos el típico personaje de comedia; hemos construido el personaje. Puede empezar la función.
El pasado fin de semana se vino a Santa Cruz una de las compañías punteras del teatro en Canarias, Producciones del mar, uno de esos grupos que ha entendido que el teatro también puede dar beneficios y que da muestras del buen momento de salud que atraviesa la producción propia regional. Producciones lleva años apostando por un teatro más comercial y lo ha hecho entendiendo que todo ello no te debe llevar a ser cutre o simplón y carente de calidad. Si bien no siempre les ha salido como esperaban (que algunas cosas suyas son de olvidar) en este nuevo proyecto demuestran que pese a introducirse de lleno en la pura y blanca comedia no han perdido referentes de arte y su capacidad de montar comedias muy buenas. Cierto es que para los clásicos, como el que les habla, este tipo de producciones no son santo de su especial devoción (no te cuentan nada, son lineales y simples, sin trascendencia ni fondo) pero hemos de reconocerlo: la verdad es, que pese a todo, el fin de semana pasado en el Guimerá nos divertimos. Y esto fue en parte porque contaron con Severiano García, uno de los directores canarios que más nos tiene que aportar en el futuro y que seguro nos depara aun muchas sorpresas y fue también porque se construyeron un mundo en el que cada parte era artificial pero formaba parte de un todo que funcionaba perfectamente. Lo bueno, sobre todo es que estuvieron atentos a dejarnos claro lo que nos iban a mostrar. A oscuras (con una de las convenciones más originales jamás pensadas: si hay luz en la ficción no la hay en la escena y al revés) los actores en sus intenciones, en sus voces estridentes y fuera de tono nos metieron en su mundo artificioso que tras dos minutos dejó de resultarnos falso.
Por otro lado decir que aquel mundo se apoyaba en una escenografía (muy del estilo) acorde con todo lo dicho de manera que nada resultaba chocante ni estridente. Digamos también que aquello, aquel loft, la verdad es que no nos contaba nada y que podíamos haber prescindido él sin llegarnos a enterar, pero estamos hablando de lo que estamos hablando.
Ahora y cambiando de tema, otra cosa es otra cosa. Y aquí me voy a tirar a sus pies (cuando sepa los pies de quién son) de los técnicos de luz y sonido de la obra, perfectamente sincronizados con la escena (así sí da gusto). Luego vestuario y utilería no era sino más de lo mismo: banalidad confesa. Y finalmente los actores con su personaje a cuestas. Ya lo dijimos al principio pero maticemos para que todos nos entiendan.
Aquí los personaje estaban más construidos que nunca, sí; pero construidos no en el sentido que Stanislasky enseñaba sino en el de con ladrillo, cemento y arena. Estaban puestos sobre el actor, tanto que eran caricaturas. Se veían. Y esto hubiera podido convertirse en un desastre que arruinara la puesta. Pero eso ocurre si no tienes actores tan buenos como con los que Producciones cuenta. Supieron llevar sus personajes desde el principio hasta el fin sin que todo aquello se cayera, siendo superficiales sí, pero a la vez técnicos y concienzudos. Mostraron que los clichés también se pueden defender bien sobre las tablas y pocos, diré, pueden hacer lo que ellos hicieron.
Por tanto, después de todo si he decir si la obra era mala o buena, siendo maniqueísta, diré que buena no era (¡viva la ambigüedad!). No sé si ganó en la adaptación canaria este apagón de Peter Shaffer o si perdió enteros en la apuesta; pero sí diré una cosa, quizá buena no era, pero ¡qué bien supieron hacerla!

Imanol Suárez

Nota

2008-04-15T19:38:00.000-07:00

Saludos a todos:
Estoy actualizando poco a poco el blog. Ese es el motivo por el que encontrais criticas antiguas publicadas ahora pero de todos modos también he puesto material reciente sobre el Mueca y continuaré haciéndolo claro.

Un abrazo

Pd: den un vistazo a las webs recomendadas

"Un adulterio casi decente"… ¿Un teatro casi decente?

2008-04-15T19:31:00.000-07:00

No, que no. Que yo no soy de esos, a mí no me gustan esas cosas. ¿Cómo voy a andar yo regocijándome en mi ego? ¡Por favor! No seré yo el que me retuerza de gustillo ahora al ver que finalmente mis sospechas se hicieron hechos. No seré yo el que les pase por la cara, aquello del “se lo dije”… aunque… ¡Se lo dije! ¡Ay! Mira que les advertí y no, ustedes nada. Es que era de cajón oiga, estaba cantado. Si es que son más inocentes ¡Ay! Miren que les advertí y ustedes como si nada: que no, que no ¿Cómo va a ser eso? Si es que al final siempre pasa lo que pasa. Que nos quieren tomar por nuevos o ¿estará mejor dicho que nos quieren tomar por viejos? Y esto no es nada nuevo. Lo que vimos ese fin de semana pasado en el teatro, ese acto de divismo, es tan antiguo como este arte en el que nos movemos. Es todo un clásico. Que aquí venía una de las actrices españolas, más distinguidas y con más profesión a sus espaldas era algo mucho más que cierto. Pero oye, que después el resto (actores, escenografía, texto…) sea, desde la propia producción, un nada, es que manda… (Sigan la rima ustedes que yo no me atrevo). Lo mejor era cómo nos presentaban la obra, que solo les faltó el megáfono, irse de barrio en barrio y traerse un pregonero y que éste en su sacrificado y poco reconocido talento entonara a voz en grito anunciando con solero que: Ahora les informo que viene a este teatro la insigne y mucho más que grandísima actriz María Luisa Merlo. Maria Luisa Merlo viene a representarnos una obra (de esas de reírse) hecha para ella, María Luisa Merlo. María Luisa Merlo viene. Viene María Luisa Merlo… también se informa que habrá otro actor en escena. (Pudiera rematar nuestro pintoresco artista, que ese actor era muy amigo de la Luisa, pero no le haremos tal faena que ya tiene ganado el pan y nosotros debemos dejarle que siga trabajando)
Así que eso es lo que nos encontramos y yo lo dije, y lo dijimos muchos, Y estuvimos en lo cierto.
La obra que nos presentaba “Maria Luisa Merlo” se trataba de “Un adulterio casi decente” una obra de Bernard Slade adaptada y dirigida por Jaime Azpilicueta. Era esta claramente una comedia que quería ser un drama y habrá de decir que si como comedia era demasiado simple (alguno dirá amable) para ser un drama la faltaba fuego.
La idea de empezar la obra cantando María Luisa Merlo no se qué canción (como suelo eliminar de mi mente los momentos traumáticos de mi vida pues no recuerdo qué cantaba) fue tan desacertada que a aquellos que fuimos a la sala queriendo no ser intransigentes tuvimos que hacer un esfuerzo enorme para contenernos. La obra transcurría en un espacio único, la habitación de un hotel donde se reunían secretamente dos amantes cada año. Era aquel un “decorado” que daba repelús con sólo verlo. ¿Pero es que no hemos aprendido nada de diseño de escenografía o sobre la evocación? ¿No nos ha enseñado la experiencia explorada tras Peter Brook? ¿Es que no hemos aprendido que el teatro es un arte semiótico y no mimético? Que alguien se lo diga a los de Txalo producciones que por poco se traen al teatro el hotel entero pieza a pieza con vigas, bloque y obrero canturrón con proclamas a las rubias incorporado y encima todo hecho tan cutremente que sus paredes contrachapadas se movían al simple toque con un dedo. Nada allí ayudaba y tanto era el desastre que entre escena y escena tenían que tirar de asistenta para que alguien les arreglara el entuerto y así hacer como que pasaba el tiempo. Las intervenciones en oscuro de esta figura con su posterior situación temporal directa al público resultaba más que desconcertante y poco fresco. Con el empeño realista, no nos dejaban nada a nosotros, nos privaron de uno de los principios por los que disfrutamos el teatro (el que está bien hecho): cuando los objetos no se muestran tenemos que soñar, emplear nuestra imaginación, para poder verlos. Aquí todo lo enseñaban y pa´lante que perdemos tiempo. Además poco se preocuparon por si había una estética o una ambientación, a ellos no les hacía falta. Nada de complicarse con cosas secundarias. ¿El vestuario? más de lo mismo, ¿la utilería? a juego, ¿la luz? con una vale, algún matiz y ya está bueno. ¿Qué hacemos para la música? pues nada de innovaciones ni rollos de esos, les ponemos una canción propia de cada año y va que chuta. Menuda hilada de desatinos. es que no había por donde coger aquello. Perdonen ustedes que me pronuncie tan agresivamente pero es que los montajes simplones me ponen un pelín de los nervios. Ay, si es que se los dije.
De entre toda esta cosa sólo se salvó el trabajo de los que se subieron a la escena (y dijeron más de 10 palabras). Tanto Pedro Civera como Maria Luida Merlo fueron convincentes y ligeros aunque tenían un toque de antigua tradición que incomodaba. Supieron ser cómicos y a la vez hilar con el drama y no ser ñoños. Pero es que pese a todo, ni aquí si quiera puedo darles mi sobresaliente. Una obra echa para que dos actores se muestren, convertir al actor (no su trabajo interpretativo) en el centro sobre el que gira la pieza y que todo esté orientado para que se exhiba una primera figura es algo caduco, aburrido y muy, muy viejo. ¿Qué tipo de broma fue esa de meter a dos actrices para que dijeran dos líneas de texto, además en unas intervenciones injustificadas, fuera de lugar y en lo interpretativo con poco acierto? Fue bochornoso en serio. Absoluto el desacierto de Azpilicueta quien parece, por ir concluyendo, que montó esta pieza con la mano en el bolsillo y no en el corazón.
Con todo, el teatro estuvo casi lleno y a los allí llegados (por cierto, pocos habituales) pareció gustarles y se rieron y se enternecieron. Pero para los que pensamos que el teatro es algo más allá de unas palabras dichas, vimos en esta obra una de esas ocasiones en las que este arte se prostituye de comercio para convertirse en otra cosa, defectuosa, algo que casi es teatro pero que no lo es entero; un teatro casi decente podríamos decirle; un teatro añejo.

Pd: Se lo dije.

Imanol Suárez

"Gatas" de Concha Busto: ¡Miau!

2008-04-15T18:58:00.000-07:00

A ver como era esto. Es que hace algo más de un mes que no me pongo (a escribir críticas no sean mal pensados) y ya no me acuerdo. Esto de la crítica teatral es como un deporte de alto rendimiento: el exceso puede causarte cansancio y al poco que lo abandones te pasa factura. Por eso estoy aquí ahora mareando la perdiz y perdiendo el tiempo en vez de ponerme de una vez a hablar de lo que tengo que hablar, de uno de los acontecimientos de año, de algo tan importante como que Concha Busto nos haya estrenado aquí un… Cocha Busto (encima me repito). Y es que estrenar aquí tiene su aquello vamos a hablar claro. Cuenta y mucho, y eso no lo vamos a negar, el que por estas tierras (ya me voy soltando) la queramos con locura por la cantidad de momentos buenos que nos han hecho pasar sus producciones en las últimas épocas (quién puede olvidar su “Cyrano de Bergerac” dirigido por John Strasberg con el magnifico José Pedro Carrión a la cabeza o su más recientemente llegado “Sueño de una noche de verano”, espectáculo el cual por cierto no hemos “podío” comentar pero que nos trasportó enérgicamente a un mediterráneo “imaginao, lleno de grasia, saleo” y humor ¡Ea! ¡Amo allá! ¡Amo! ¡Amo! ¡Amo allá!……. demonio que no arranco…. ya… ¿por dónde iba? Ah sí (ustedes perdonen resaca post-navideña, es lo que tiene) bueno a lo que decía. Que estrenar aquí tiene su aquello. Cierto que es un lujo convertirnos en sede de estrenos nacionales tan importantes y se agradece pero, y no me resisto a comentarlo, siempre le queda a uno el regusto amargo de pensar que estrenan aquí (como en provincias decían antaño) por si acaso les falla algo y si falla que así no se enteren en la metrópoli del tropiezo. Y ésto, que en ocasiones ha pasado, convierte el estreno en preestreno y desluce el orgullo de ser los primeros y nos recuerda que somos islas, que aquí hay menos bombo teatral y que estamos más lejos… Por suerte, en este caso, “Gatas” no fue eso. “Gatas” fue un magistral despliegue de belleza escénica, de poesía y de talento.
Si bien, miren lo que son las cosas, en esta ocasión para sentirnos marginales no hizo falta que el espectáculo estrenado fuera un esperpento, que ya está Transmediterránea para recordarnos lo de la insularidad y todas esas tonterías. Que en pleno año 2008 tengamos que seguir suspendiendo funciones porque nos dejan sin medios de trasporte es para clamar al cielo. O ¡qué coño! para clamar en el despacho de Paulino Rivero a ver si se mueve y hace algo que ésto está apuntado en la agenda desde la transición. Si es que no se puede deslucir de esta manera algo que nos ha costado tanto esfuerzo. Porque luego pasa lo que pasa. Funciones en horas intempestivas, patios de butacas medio vacíos, despistes, enfados; cambios de última hora… tanta incomodidad que entre este humo se disipa el placer de ir a disfrutar de una buena noche de teatro.
Pero bueno todo ésto, de la escena es ajeno y allí se plantaron seis mujeres y con todo su arte de toda aquella vorágine externa nos abstrajeron y nos llevaron a su órbita recorriendo en el viaje un siglo entero, costándonos a todos algunas lágrimas, algo de impotencia y mucho sufrimiento. Las gatas unidas, singulares siempre, fueron las voces de unas épocas, los signos de un género.
Con respecto a como todo ésto se puso en escena es cierto que no innovaban en nada, pero de vez en cuando viene bien un todo a vista para que en el ejercicio del teatro no nos olvidemos de su artificio y de que el teatro a fin de cuentas es precisamente eso. Así empezaba todo, ellas en su camerino preparándose para traspasar la línea entre lo intra y lo extra escénico. Así el ritual iniciaba antes de que empezara el espectáculo en sí y continuaba siempre sin intermedios integrando los cambios y su espacio en un todo rítmico. El problema como siempre, fue el abuso, la repetición permanente de un mismo juego tras 10 veces llegó a ser cansina. Aunque no me quejo (estaba bien hecho).
Observando el espacio propio de la acción no aportaba mucho. Un solo salón que como ellas no cambiaba a lo largo del tiempo no nos añade nada, se limita a estar ahí y hacer relleno. Yo es que soy un contemporáneo y el intento hiperrealista, que además se queda adrede a medio camino, me descoloca los esquemas. El problema no es el hiperrealismo; el problema es que el espacio fue éste como podía haber sido otro y no hubiese cambiado nada. Pero he de reconocer que ésto es cuestión de gustos y que a fin de cuentas tampoco es para tirarse de los pelos. En lo que sí que insisto es en rechazar la repetición sistemática del efecto cuando la escena se abría y nos dejaba ver a las actrices. Esto agradaba a la vista y sorprendía contemplar la transformación de la escena con tan solo dos elementos nuevos (puesto sin ocultar el hecho) pero hacerlo tan repetidamente cansaba por lo que se rompía el ambiente creado durante la acción. Suerte que finalmente los dos espacios se igualaban identificando la escena con lo terreno, comunicándose directamente con nosotros para hacer del teatro (como edificio) un todo en el que todos estamos en constante dialecto.
Y es que este fue uno de sus pocos peros, porque digno de reconocer es que el vestuario por sí solo valía más que toda la escenografía: Menudo trabajo el de Lala Huete y el de Pepe Uría, era como si hubiesen enfrascado cada época y la hubiesen rescatado a su antojo. La iluminación estuvo más que exacta, y el sonido perfecto, pena fue que tuvieran sólo una pista de audio (Usar un único tema para toda la piezas no es de recibo). La dirección también estuvo bastante fina, muy bueno el trabajo de Manuel González Gil quien compuso (es uno de los autores también) una pieza necesaria con una carga (de profundidad) poética en cada línea. Sólo le critico los tiempos; en ocasiones la obra se tornó lenta y repetitiva. El juego usado para pasar por encima de la dictadura franquista sin entretenerse mucho, con ellas sentándose a tomar el te hasta por 4 veces seguidas después de un comentario cara al público casi bretchtiano pudo haber sentenciado la obra.
De todos modos todo esto no se nota cuando tienes en la escena seis actrices del más alto talento y nivel. Cuando cuentas en un mismo reparto con Rosario Pardo, Sylvia Abascal, Ana Gracia, Nieve de Medina, Paloma Gómez y Paloma Montero, no tienes que preocuparte de nada más. Hacía tiempo que en el teatro Guimerá no veíamos algo tan asombroso. Todas, en su ocasión, nos deleitaron con pinceladas de brocha gorda como sólo puede hacerlo un maestro (maestra en este caso). La palabra que mejor podría definir su trabajo es: Soberbio. Defendieron el texto no ya como gatas sino como fieras, e hicieron que pese a todos los trastornos de última hora y pese a las navieras mereciera la pena una vez más ir al teatro. Porque lo que ellas lograron no puede hacerlo casi nadie. Nos devolvieron el placer de las noches de buen teatro donde al arte es tan puro como eso. Que gusto haber vuelto.

Imanol Suárez (Enero de 2008)

Mueca: algunas fotos más

2008-04-15T17:31:00.000-07:00

"Circo del Aire"

Clapso - "El Rey del Mar"

Clapso - "La Bella Durmiente"

Mueca; Algunas Fotos

2008-04-14T16:07:00.000-07:00

Dado - Mon Oncle le Bossu

Los2Play - ComeBack

The Chanclettes -Disco Móvil

Festival Internacional de Arte en la Calle; Mueca, algunas palabras:

2008-04-14T15:45:00.001-07:00

A veces, resulta intensamente curioso encontrar las vicisitudes, los giros y los viajes que pueden encerarse dentro de una sola palabra. El término, el sustantivo, mueca hace referencia, según lo que podría decir algún diccionario, al gesto, reacción o postura expresiva de la cara que pretende transmitir una información. Pudiera decirse entonces, aceptando esto, que esas son las palabras útiles que definen lo que es mueca. Sin embargo, la palabra se torna siempre compleja; definir no es lo mismo que captar las raíces, ni que navegar por los mares ocultos de lo profundo, ni bogar hasta la esencia misma cercana al borde de lo metafísico. Es obviar lo no objetivo, acomodarse a lo simple, quedarse anclado a la superficie del “para entendernos”. Y así uno se pierde los entresijos de la belleza errante encerrada en las palabras, sus misterios, y los secretos de las pequeñas cosas, el todo manifiesto, y el vacío latente que envuelve su espalda, Las Horas, las cosas que diría con solo mirarla, la noche estrellada que habló Van Gogh mirando la luna y decidiendo hablarla y preguntarse por qué quiso pintarla rodeada de convulsiones en vez de ceñirse a ser simplemente cuerdo; y saber que era un inconformista, que todo gana sentido según uno lo quiera, y que quizás nada se explique por sí solo pero que siempre habrá una definición recurrente para referir a la pintura y a las convulsiones convexas y a las horas que uno tiene y también, por supuesto, a la palabra Mueca.
Volviendo sobre el tema, Mueca no es una palabra simple; por contra, es compuesta y contiene en sí misma una definición. Mueca es muestra pero también es calle y horas, y sol y sobre todo arte, mucho arte. Hablo pues (lo habrán intuido) del pasado Festival Internacional de arte en la calle (Mueca) que no es y nunca será un festival al uso.
Mueca es el mejor festival con el que a día de hoy cuenta Canarias, y lo es porque el éxito de público (unas 20000 personas en su cuarta edición), la calidad de los espectáculos, y la organización del evento son pruebas de excelencia. Esta ha sido una edición capaz de combinar de manera correcta y articulada más de 25 espectáculos (nacionales e internacionales) que llenaron en los pasados días 4, 5 y 6 las calles del Puerto de la Cruz. Producciones del Mar, organizadora del evento, supo como siempre gestionar este despliegue y conseguir que casi nada fallara. Desde que el telón se abrió empezaron a desfilar por las calles portuenses instalaciones como “Robots”, “Penguin Family” o el conmovedor “Barreras” y también espectáculos de la talla de “Píaton” de la compañía Abubukaka una de las mejores creaciones canarias de los últimos tiempos; un complejo despliegue de arte y talento donde siete líneas de un paso de peatones luchan contra la desidia bajo la consigna “Migrar es soñar”. Y soñando nos pasamos todo el tiempo. Disfrutamos de las increíbles rutinas del “Circo del aire” donde destacó por su belleza el trabajo de los integrantes de circo dedos. Reímos a gusto con el humor desenfadado de Riki López en su “Buenrollitia” y con el indefinible hombre del látigo de “The Roping Fool”. Quedamos asombrados con el ritmo desbordante de la compañía Clapso que, tras su “Rey del mar” matutino, nos deleitó con la versión rockera de “La Bella Durmiente”, un espectáculo rico, ágil y complejo donde los actores entregaron toda su energía hasta el final algo que fue recompensado con un atronador aplauso. La intensidad del Drago (Erabab) nos esperaba quizás para darnos “La noticia a tiempo” de la recuperación de una pieza que tiene el honor de ser la primera obra teatral interpretada en la calle por aficionados de la que se tiene noticia en Canarias. Entre las puertas pintadas y los sabores nuevos nos encontramos al cercano Jesús Rojo con su magia e ingenio y también al inconmensurable Dado, el sin duda mejor ingrediente de ésta edición. En su “Mon oncle le Bossu” hizo demostración de su capacidad innata para provocar la risa, para conmover a cada instante, para mantener pendiente de sus giros a cientos de personas que lo miraban perplejos incapaces de desviar la vista un segundo de él por no perderse ni un instante la fuerza de este genio. Al caer la noche los catalanes de Los2play con su espectáculo “Comeback” tomaban el relevo dejando atónitos a todos con sus increíbles acrobacias. Este fue el montaje estrella del festival y el premio del jurado da justa prueba de ello. Uniendo técnica gimnástica y clownesca estos acróbatas recatados del pasado lograron el show más disparatado visto este año.
Después vino “Clack!” de Capa i Espasa. Divertidos e irreverentes confesaré que a su repaso cinematográfico le faltó algo; aunque puede que quizás las expectativas jugaran contra ellos pero esto es cosa de criterios. “Sandfantasy” tampoco fue nada original; pesado y cursi no aportaba nada nuevo. Batucadas y Brake Dance hicieron más llevaderas las esperas y si las Hadas eran las dueñas de las mañanas y The Chanclettes fueron las reinas indiscutibles de la noche. Con su descaro, música y humor pusieron la guinda a un festival (en el cual hubieron otras muchas cosas que no nombro por tiempo), que espero tenga larga vida y no se quede después de tanto éxito como otros encerrado en el cajón de la desidia de un político que no lo considera necesario ni interesante.
Esto es mueca, mucho más que un gesto, un festival que le hace a uno plantearse si el arte en la calle no es el más vivo que existe. Mueca, una palabra importante.

Imanol Suárez (10 de Mayo de 2008)

Nota: Una versión de este artículo será publicada el próximo sábado 19 de abril de 2008 en el suplemento cultural 2C de la Opinión de Tenerife. En él se hace un especial incapié en lo necesarios que son festivales de este tipo para la cultura en Canarias. Espero que os guste.

Un abrazo

Imanol Suárez

"El Cerco de Leningrado" por 2RC - ¿Quién dijo que era imposible?

2008-04-14T14:54:00.001-07:00

Y: Lo han vuelto a hacer. Si es que lo sabía; tanto decir que no, que no, que era imposible y mira.
X: ¿Qué miro?
Y: Yo lo advertí, pero nada. No me creyeron; Y esas cosas duelen ¿Saben? Porque uno después de todo no es que sea un sabio pero en ocasiones sé lo que me digo.
X: ¿De qué?
Y: No, no, no; si es que tampoco había que ser muy inteligente para saberlo que estas cosas se intuyen al vuelo… ya lo sabía.
X: ¿El qué?
Y: Que lo han vuelto a hacer.
X: ¿Quiénes?
Y: ¿Como que quiénes? Ellos
X: Pero ¿quiénes son ellos?

(Pausa)

Y: ¿De qué estamos hablando?
X: No sé, tú has empezado.
Y: Porque te lo había dicho.
X: Eso ya lo has dicho.
Y: Pero es que muchos no me hicieron caso.
X: Eso puedo comprenderlo.
Y: Y al final…
X: ¿Qué?
Y: …que yo tenía razón.
X: ¡Vaya!
Y: Oye, te noto un poco escéptico.
X: Mira ¡qué observador!
Y: Pues tú lo que quieras pero yo lo dije.
X: ¿El qué?
Y: Esto; lo que ha sucedido.

(Pausa)

X: ¿Tú estás hablando de lo que ha sucedido?
Y: Sí.
X: ¿De que han vuelto a hacerlo?
Y: Sí.
X: ¿Estás hablando de ellos?
Y: Sííí.
X: Y ¿por qué no me lo has dicho antes?
Y: Si te lo he dicho.
X: Pues yo no lo tenía claro.

(pausa)

Y: Es que son ellos.
X: Si es que no te explicas.
Y: Yo no tengo culpa de eso.
X: Y ¿quién tiene la culpa?
Y: ¿Quién va a ser?
X: ¿Ellos?
Y: No, idiota.
X: ¿Quien tiene la culpa?
Y: Yo prefiero hablar de ellos.
X: Pero dime ¿Quién tiene la culpa?
Y: (A lo suyo) Lo han vuelto a hacer, si es que lo sabía. Son la compañía más grande de Canarias, una de de las que tiene mayor proyección y encima montan un Sanchís Sinistera. Es que no hacía ser muy inteligente para intuírselo; Fue digno de ver. Para más datos, venían de ser nombrados representantes de Canarias en los premios Max, habían cosechado un éxito enorme con su “Alcalde de Zalamea” y además 2RC, sin duda, está en su mejor momento (y lo demostraron). Jugaron a lo de siempre, a su fórmula que ya tienen patentada como su sello. El espacio escénico volvió a ser un mundo de sugerencias dotado con apenas unos pocos elementos. Así se ha ganado Rafa Rodríguez el título de “Creador” con mayúsculas. Allí no había más que un telón y una tarima inclinada pero con cada escena, a cada momento era distinto, veíamos algo nuevo, nos daban nuevas sugerencias, creaban mundos nuevos. Si es que estaba claro, yo lo dije.
X: Sí bueno ¿y qué mas?
Y: Que las actrices incorporaron todo eso en su trabajo, y nos llevaban de la mano de un lugar a otro envueltos en dulzura y poesía. Este es uno de esos montajes en los que nada falla: Tanto el vestuario como el ámbito técnico sorprendían por su factura y acierto. 2RC hizo gala de sus ya populares juegos de luces que generaban una atmósfera capaz de encerrarnos a todos en la historia para que no nos distrajéramos ni un momento.
Luego, claro, las actrices.
X: ¿Qué pasa con ellas?
Y: Que es lógico que la obra salga como salió cuando nos enfrentamos a una Lili Quintana más Lili que nunca y a una Blanca Rodríguez soberbia. Lo de Lili es sobrenatural. Se ha encontrado a sí misma de tal manera que ha alcanzado lo que sólo pueden alcalzar algunos pocos genios: una manera casi propia, (exclusiva) de interpretar, ha creado casi un estilo. Con esto Lili sigue recorriendo su camino de reafirmarse como una de las mejores actrices con que cuenta en estos días la escena canaria. Y Blanca, tan viva, tan cercana. Entre ambas compusieron un tandem de esos que sólo se pueden definir como perfectos.
Así que Rafa, nuestro Rafa, nos regaló su Sanchís haciéndolo de la única manera que él sabe hacerlo, es decir, bien, y como lo que es, uno de los mejores directores del momento.
X: Ya bueno y volviendo a lo nuestro ¿Quién tiene la culpa de que te enrolles tanto?
Y: ¿Es que no lo sabes?
X: No.
Y: ¿De verdad no lo sabes?
X: No.
Y: Es él
X: ¿Quien?
Y: El maestro.

Dedicado a José Sanchís Sinistera

Imanol Suárez

Lili Quintana Visita Frecuencia Teatro

2008-04-09T15:10:00.000-07:00

Mañana Jueves 10 de Abril la reconocida actriz Lili Quitana estará en nuestros estudios. Tras el éxito cosechado en su último estreno "El Cerco de Leningrado" de Sanchís Sinisterra con la compañía 2RC, la actriz estará con nosotros para hablarnos de la obra pero también de toda su carrera.

Esperamos veros; no falteis a la cita con Frecuencia Teatro.

Última hora acerca del Debate

2008-03-26T19:19:00.000-07:00

Solventados ya todos los problemas de última hora, finalmente se incorporarán a nuestra mesa de debate:

Francisco Castellano: director teatral, fundador, profesor y ex-director de la Escuela de Actores de Canarias.

Aranza Coello: Actriz y fundadora de BurkaTeatro Cía. nominada en 2007 para representar a Canarias en los Premios Max de las Artes Escénicas en la categoría de Espectáculo Revelación por el montaje "La Lapa".

Así, si todo lo permite, nos veremos en los estudios de Radio Unión a las 11:30 de la mañana de este 27 de marzo para tratar temas de gran actualidad como son el funcionamiento de los circuitos de artes escénicas, la necesidad de un Centro Dramático Canario o la inexistencia de una Ley del teatro.

Allí os esperamos.

!FELIZ DÍA DEL TEATRO!

Debate: Programa Especial "Día mundial del Teatro"

2008-03-18T20:41:00.000-07:00

Con motivo de la celebración del día mundial del teatro en Frecuencia Teatro realizaremos un programa especial en el cual, entre otras actividades, destacará un debate que tendrá como tema central "La situación del teatro en Canarias en la actualidad: presente y futuro". Para ello nos valdremos de la experiencia y conocimiento de invitados altamente implicados en la actividad teatral de hoy en día en Canarias:

Invitados:

Atención el listado de invitados se ha modificado por problemas de agenda laboral de algunos de ellos; Los invitados confirmados son:

Candelaria Izquierdo Torres: Concejala de Cultura, Fiesta y juvetud del M.I. Ayuntamiento del Sauzal.

Fernando Ordoñez Cano: Director de Eventos y Programas Culturales de Ideco, S.A quien sustituirá a su compañera de equipo Marta Quiñones.

Francisco Vera: Actor actualmente en las filas de Delirium Teatro en el montaje "Canarias

Aun estamos en gestiones para poder suplir las vacantes dejadas por Ignacio Colmenar y Enzo Scala.

Este encuentro tendrá Lugar el Proximo jueves día 27 de marzo de 2008 a las 11:30 de la mañana en las ondas de Radio Unión Tenerife. Dejen sus sugerencias de temas a tratar. Les esperamos.

Mensaje Internacional Día mundial del teatro 2008, por Robert Lepage

2008-03-18T19:28:00.000-07:00

Existen varias hipótesis sobre los orígenes del teatro, pero la que lo desafía más tiene la forma de una fábula:Una noche, en tiempo inmemorial, un grupo de hombres se habían reunido en una caverna para calentarse en torno a un fuego y contarse historias.Cuando, repentinamente, uno ellos tuvo la idea de levantarse y de utilizar su sombra para ilustrar su relato. Al ayudarse con la luz de las llamas, hizo patentes sobre las paredes de la cueva a unos personajes de tamaño mayor que los naturales. Los otros, deslumbrados, reconocieron en las sombras al poderoso y al débil, al opresor y al oprimido, al dios y al mortal.Hoy día, la luz de los proyectores sustituye a la fogata inicial y la maquinaria de escena, a las paredes de la caverna. Y con todo respeto a algunos puristas, esta fábula nos recuerda que la tecnología es la causa incluso del teatro y que no debe percibirse como una amenaza, sino más bien como un elemento enriquecedor.La supervivencia del arte teatral depende de su capacidad para reinventarse integrando nuevas herramientas y nuevas lenguas. ¿Si no,cómo el teatro podría seguir siendo el testigo de todas las grandezas y de lo que está en juego en su tiempo y al mismo tiempo, promover el acuerdo entre los pueblos, si él mismo no demostrara apertura? ¿Cómo podría jactarse ofrecer soluciones a los problemas de la intolerancia, la exclusión y el racismo, si, en su práctica propia, se negase a todo mestizaje y a toda integración?Para representar al mundo en toda su complejidad, el artista debe proponer formas e ideas nuevas, confiando en la inteligencia del espectador, que es capaz a si mismo de distinguir la silueta de la humanidad dentro del perpetuo juego de luces y sombras.Es cierto que jugando mucho con el fuego, el hombre corre el riego de quemarse, pero así alberga también la esperanza de convencer y de iluminar.

Robert Lepage

Québec, le 17 fierier 2008

Para información sobre Robert Lepage consultar: http://www.robertlepage.com/

Helena Turbo presenta: "Aires de Galdós"

2008-03-05T19:01:00.000-08:00

La compañía HelenaTurboTeatro presenta “Aires de Galdós”. Es una producción de la Dirección General del Libro, Archivos y Bibliotecas del Gobierno de Canarias, que este año homenajea al escritor Benito Pérez Galdós.
Será el viernes 7 de marzo a las 19:30. La actividad comenzará con un paseo de la comitiva por la calle Pérez Galdós de Santa Cruz hasta la Plaza del Príncipe, donde se desarrollará el espectáculo.
“Aires de Galdós” se presentará en San Sebastián de La Gomera, el sábado 8 de marzo a las 12:00 horas en la Plaza de la Asunción.

Equivocados. "El Señor Ibrahim y las flores del Corán"

2008-03-02T12:08:00.000-08:00

A veces cuando uno va al teatro, cuando ya ha convertido el acto de ir al teatro en una monotonía clásica de fin de semana, equivoca o confunde las razones por las que acude a él, a su refugio o guarida de artes. Empiezas a establecer, a estamentarte cosas que esperar de él (resultados a desear), anclándote sin plantearte que lo de verdad importante no es lo que tú esperes del teatro, sino lo que él te pida a ti. Cuando el acto de entrega al teatro se confunde con una exigencia al mismo, los resortes de nuestra imaginación ya no imaginan, los mecanismos de su magia se gastan y a último momento esta acción (ir al teatro) se vuelve simplemente una manía tediosa y desgastada en la cual nos hemos estancado por costumbre. Por eso, cuando el teatro nos recuerda quién es el que manda, cuando pone a todos en su sitio, aprendemos que nuestro arte no es una reglamentación la cual debamos seguir paso a paso uno; dos; tres; cuatro. Aprendemos que más allá de nuestras miras están otras y que el arte teatral es verdaderamente grande. Por eso cuando el teatro hace su papel de padre es capaz de rompernos los esquemas, sorprendiéndonos y renovándonos.
Cuando llegó a Tenerife el montaje del CDN (Movido por “UROC Teatro” y ya sabemos por qué) el señor “Ibrahim y las flores del Corán” alguno incauto como yo quizás pensó que vería lo de siempre, lo que estaba esperando: Dos actores interpretando sobre la escena, una escenografía bonita, un estudio de luces… Pero una obra que tiene en su haber dos premios max (una la mejor adaptación teatral y otro al mejor actor para Juan Margallo), no baga por el mundo errante como una feria o un circo que repite de pueblo en pueblo su pasen y vean, montando su carpa, entreteniendo a los tontos con sus piruetas mil veces vistas. Una obra como esta se encuentra errante sí… pero en el mar de los milagros.
Pocas veces es posible decir (sin que nadie se ofenda además) que lo mejor de la obra fue sin duda el texto. Y no porque los actores nos aburrieran o no tuvieran gracia, o porque el resto del montaje fuera paupérrimo. Sino porque su poesía, su armonía, su esencia de libertad le hacía andar libre sobre todo, por encima de todo, destacándose, haciéndonos entrar en la atmósfera de una vida que no era la nuestra, en un París de los ´70 soñado… en un espacio donde las palabras son más que una sombra omnipresente.
El montaje de Ernesto Caballero (lo digo), no es lo mejor que ha hecho; pero nuevamente nos ha demostrado que tiene mucho que enseñarnos todavía, que tenemos aun mucho que esperar de él. Ernesto sabe lo que hace; lo haga del modo que lo haga. Esta vez lo ha hecho esencialmente con sus palabras (Adaptando el texto de ERIC-EMMANUEL SCHMITT), rompiéndonos las preconcepciones y nuestros aires de expertos (y así dicho sea de paso ¡Viva la auto crítica!)
Para hablar de los actores no sé si lograré la pertinente distancia para ser objetivo. Y lo digo porque Juan Margallo, como no, estaba soberbio; y lo digo, como no, por que Julián Ortega, a sus 26 años nos mostró el Momó más dulce, gracioso y tierno. Cierto es que se notó el hastío del tiempo pero llevan 4 años con la obra; hay que entenderlo.
Y no diré más. Y no lo haré porque no me considero digno; visto lo visto y aprendido lo aprendido no soy quien para hacerlo. Aunque bien pensado, quizás compense más, desde la modestia, seguir haciéndolo.

Imanol Suárez

2RC Gira Americana

2008-02-23T07:50:00.000-08:00

“EL ALCALDE DE ZALAMEA” INICIA UNA GIRA POR ESTADOS UNIDOS Y MÉXICO CON EL APOYO DEL CABILDO GRANCANARIO Y EL GOBIERNO DE CANARIAS

La obra “El Alcalde de Zalamea” de la compañía 2 RC Teatro de Repertorio, una coproducción del Teatro Cuyás y el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, realizará una gira por Estados Unidos y México del 29 de febrero al 14 de marzo próximo, que fue considerada esta misma mañana por el director de la citada compañía, Rafael Rodríguez, “como uno de los retos más importantes y un premio a una trayectoria de cinco años de trabajo escénico”. San Diego, Tijuana, El Paso, Ciudad Juárez y Nueva York, son las ciudades en las que se representará el citado montaje de Calderón de la Barca.

La consejera de Cultura y Patrimonio Histórico y Cultural del Cabildo grancanario, Luz Caballero, advirtió en la presentación de la gira americana, que la compañía 2RC “ha realizado una apuesta importante y seria por el teatro de la palabra”, y que por ello “el Cabildo de Gran Canaria ha apoyado esta iniciativa que se inscribe en la política de promoción de nuestros creadores en el exterior impulsada por la Corporación insular. Estamos apostando por la formación y la creación de nuevos públicos para revierta en la estabilidad del sector teatral en su conjunto”, señaló Caballero, que destacó asu vez la labor coproductora del Teatro Cuyás en esta obra que estuvo nominada como Espectáculo Revelación en los pasados premios Max de las Artes Escénicas.

Por su parte, Blanca Quintero, directora general del Libro, Archivos y Bibliotecas del Gobierno de Canarias, advirtió que “el Ejecutivo está empeñado en superar las barreras físicas que el Archipiélago impone a través de programas como Canarias Crea, del que se han beneficiado ya otras compañías teatrales de las islas como Mónica Lleó, que estuvo hace poco en Argentina, La República, que actuó en Chile, y Timbiriqui Teatro, que lo hizo en México”.

Para Rafael Rodríguez, director de 2RC Teatro de Repertorio, el origen de esta gira está en la participación de la compañía en el pasado Festival de Alcalá de Henares. Allí se formalizaron los contactos con el Festival de Teatro de la ciudad de El Paso, en donde se iniciará la gira americana de “El Alcalde de Zalamea”. Un total de 21 personas viajan a Estados Unidos y México, viaje en el que se realizará un documental de ficción. “Queremos ser una compañía de referencia”, dijo Rodríguez, quien destacó que, en Nueva York, por ejemplo, no habían actuado aún la Compañía Nacional de Teatro Clásico, para destacar la importancia que este periplo que inicia “El Alcalde de Zalamea”.

Las Palmas de Gran Canaria, 22 de febrero de 2008

Circo Bálagan: Una de circo

2007-12-08T15:56:00.000-08:00

Difícil. Difícil. Difícil. Difícil es expresar todo lo que uno vivía cuando veía al Circo Bálagan. Habrá de considerarse y lo utilizaré en mi defensa que hacer una crítica sobre circo no es lo mismo que hacerla sobre un espectáculo de teatro… En fin… ¿Yo qué sabía? ¡¿Cómo iba a saberlo?! ¡Quiero un abogado! No hablaré sin su presencia. ¡Esto es un atraco! Pillarle a uno desprevenido y pedirle que haga luego una labor de interiorización para la exteriorización “critical” de semejante rareza cuasi cual singularidad entomológica o vegetal. No es fácil, compréndanlo. Yo fui allí con mi entradita de 25 euros a mi butaquita de paraíso (que con lo que gano no me puedo permitir más) y ya desde el entrante uno sentía que allí iba a ocurrir algo único. Y ¿Cómo se lo cuento yo ahora? No, no hablaré. Bueno sólo diré algo.
Quizás para entendernos debamos, para empezar, poner en su sitio bien puestas todas las cosas. Lo primero: Bálagan no es exactamente un circo al uso, es más bien una franquicia perteneciente al compendio de espectáculos elaborados para la productora Dream Cast. Lo segundo que debemos tener claro es lo que fuimos a ver y de dónde venía: Bálagan es un espectáculo de sala fijo en la ciudad de los casinos, las Vegas, la ciudad donde todo es efímero como el dinero que se juega en sus casinos y donde siempre se encuentra un rastro de superficialidad. De ahí podemos deducir el público para el que fue concebido y con que concepto empresarial. Bálagan por tanto es una superproducción comercial fundamentada en la base del entretenimiento masivo (entiéndase por esto contentar al turismo). Tercero: Su fundador Misha Matorin nació casi literalmente en la carpa de un circo, lleva el circo en su sangre y a éste ha dedicado su formación, su profesión y toda su vida. Sentadas estas bases podremos comprender muchísimas cosas sobre ésta (por qué no lo reconocemos) carísima producción que durante la semana pasada nos logró conquistar, sorprender y emocionar.
¡Todo iniciaba magistralmente! Aun no se habían apagado las luces, no todos se habían sentado ya, pero empezaron a volar las maletas, esas maletas en las que viajaríamos hasta su convención. ¡Fuera nuestro mundo, que el circo va a empezar! Un clown calienta la escena. Número convencionales pero que nos tocan la nostalgia y reímos y reímos. Ahora sí ¡apaguen los móviles! El mayor espectáculo del mundo hace su inicio triunfal.
Tras él, el resto del espectáculo, hora y media de reloj sin parar. Corrección inglesa; no agotemos al personal. Con todo, fue un despliegue asombroso y al espectador se le pasó casi sin notarlo. Cierto es que pasaron de puntillas por algunos números y cierto es que algunos sobraban y tenían cuestionable calidad de ejecución. La chica de los aros, sin gracia ni destreza, me sobró junto con los chinos saltarines que en vez de acróbatas parecían ancianos reumáticos. Sobraban también la pareja de acróbatas equilibristas. El resto: espectacular. Especialmente emocionante fueron las telas y las correas aéreas junto con el poco explotado cubo. El mejor: el Clown quien con varios números de participación del público literalmente la armó e hizo que el Teatro Guimerá se rompiera las manos en aplausos al final. Por tanto, salvo las excepciones, el elenco maravilloso.
Este espectáculo jugaba con atmósferas teatrales que recordaban la tradición de la antigua Commedia dell´Arte. Un recurso para hilar y homogeneizar muy al estilo del Cirque du Soleil. Muchas otras cosas recordaban éste y el espectador que ello advirtiera no podía dejar de pensar cuánto Misha se había apropiado de su anterior empresa para traerlo a la suya. Por ello, es justo decir que, salvando las grandes distancias, Bálagan pecaba a veces de poco original y en ocasiones de plagio. Pero en eso fueron muy serios. El propio Matorin dijo muy claro: Nosotros no pretendíamos renovar el circo en este espectáculo. Por tanto el lenguaje hablado sobre el escenario terminó por ser el mismo pues solo hay uno, el lenguaje del circo. Aunque también es de rigor decir que sabiamente estaba bien articulado.
En el apartado escenográfico sólo cabe decir una cosa. Bálagan era un mundo aparte. La escenografía es cierto que no decía nada o casi nada. Evocaba vagamente las velas de un barco. Y eso, si estuviéramos hablando de teatro, sería algo que no podríamos perdonar. Pero, aparte de las sentadas bases precedentes, no podemos olvidar que el circo tiene otras claves, habla otro lenguaje como ya hemos dicho y en consecuencia se impone la utilidad y la esencia simbólica. Los gimnastas se movían con trabajada destreza por sus ambientes que entre escena y escena se conformaban. Esta escenografía en conjunción con la indumentaria conformaba un todo inseparable. Un vestuario mágico y muy bien realizado (con excepciones que no se que hacía Hulk allí) fraguó junto con la música un mundo único donde el espíritu de la Commedia flotaba. En lo técnico: la iluminación estuvo fantástica con un despliegue de watios y watios algo exagerado.
Pero bueno. No diré más. Ésta es mi crítica. No les puedo decir nada más. No tengo palabras para hacerlo y este no es el campo que controlo. Diré que el circo se guardará en mis recuerdos gratos y que me será difícil olvidarlo. Con esto yo me despido excusándome si no he sido capaz de plasmar todo cuanto era necesario. Pero este no es mi campo. En serio ¡yo no quería! fue un accidente. No hablaré sin la presencia de un abogado digo… quiero decir… No hablaré más.

Acaymo, una gaviota en Madrid y la utopía

2007-12-08T15:24:00.000-08:00

Pocas veces el Teatro Guimerá había vibrado tanto y menos de manos de una producción canaria. Un teatro a rebosar aplaudía, bailaba y hasta coreaba (reconozcámoslo: a todos se nos escapó un gorgorito de cuando en cuando) las letras de unas canciones que iban directo desde la escena, pasando por el alma, hasta el corazón de los improvisados coristas, entiéndase, nosotros: la grada. Y cuando digo grada no lo hago por un error de vocabulario ni por querer quitar mérito o nombrar de mal grado a la concurrencia. Digo grada, y lo asiento con conciencia, porque aquello alcanzó por momentos niveles tan nunca vistos de entrega y casi fervor que cualquiera diría que parecía más un partido de baloncesto que otra cosa (¡si al final parecía que habíamos ganado el mundial!)) ¡Qué locura! Por Dios ¡qué catarsis! Cómo me alegro de haber vivido una de esas noches que se recordarán en los anales de la historia como una de las grandes noches del teatro canario. (¡Cómo me gusta un jolgorio oiga… y el sancocho!) Otra cosa es que la producción en su conjunto lo mereciera. Expliquémonos.
Ngr Producciones contaba con la experiencia de haber producido ya dos musicales (infantiles sí, pero musicales o ¿es que tiene menor dignidad la Cenicienta?) y su apuesta por infiltrarse en el mundo “adulto” cuajó de tal manera que acabó por granjearse el apoyo del Gobierno de Canarias, Cabildo de Tenerife, Ayuntamiento de Santa cruz, Cajacanarias… un efecto dominó tan en cadena que poco le faltó para contar con el beneplácito de la asociación de vecinos “el Guanchito Verde” y con el de los vecinos del bloque 1·3º A de la calle San Sebastián (si existiera). Pero bueno, eso no es lo importante. Cuando llega un nuevo integrante a la familia ¡¿Quién se para a pensar en no cubrirle sus necesidades?! ¡¿Quién repara en gastos?! ¡¿Quién dice nada de no haber hecho caso en mucho tiempo al viejo abuelo “Teatro”, al cual tenemos postrado en un sillón?! Es un musical CANARIO ¡Por el amor de dios! Al final, después de la gestación de dos meses, unos 22 millones de pesetas peso la criatura. Esto nos enseña una moraleja: si quieres montarte un Hamlet hazlo de Chimisay y no te faltará de nada. Pero ¿a quien le importa? El musical por fin ha llegado a nuestra casa, y yo, dicho sinceramente, me alegro.
Lo del musical en Canarias no es que sea nuevo, es que nunca nos habíamos puesto ha hacerlo tan a lo grande (o a lo medio grande que con esos 22 millones de pesetas en Madrid no pagas ni el vestuario): El caso es que entonces apareció NGR producciones. Su propuesta de levantar un espectáculo basado en los éxitos de la música de autor canaria no sólo era una idea fantástica, además contaban con el aval de ya haber enfrentado el género previamente lo cual les daba mucho crédito y les hacía dignos de confiar. Alguien tenía que ser el primero y ellos definitivamente estaban preparados. Ya habían andado el camino. Logrado el apoyo, Acaymo surgió como un repaso a las canciones más insignes de los años ´80 en Canarias con Temas de Palmera, Ataúd Vacante, Taller Canario, Los Canarios, Rosana, Caco Senante, Los Sabandeños y Mestisay, entre otros. Así sus guionistas (tres periodistas… no digo nada) compusieron la historia de Acaymo, la historia de muchos, la de alguien que se va a los madriles a intentar hacer sus particulares américas y triunfar. Roxana Schmunk definió a Acaymo como alguien que no quería renunciar a su utopía. Y así ella, sin renunciar tampoco a su utopía, en una tierra donde no hay profesionales del género, se puso el mundo por montera y fue a la búsqueda de Acaymo, su Acaymo. Por fin arrancaba su gran Musical.
Llegado el estreno, Acaymo generaba muchas dudas sobre cual sería el resultado final. Después de las dudas vino el espectáculo. Nos fuimos a nuestra sala y nos preparamos escépticos para lo que había de llegar. Empezaron los primeros acordes. Desde ese momento ya no habrían más especulaciones, nos disponíamos a ver lo que nos tenían que mostrar. Por fin arrancaba Acaymo. Y arrancó pero el caso es que de repente era como si nos hubiésemos equivocado de sala. ¿Pero esto no era un musical? Unos harapientos se arrastran por el patio de butacas mal vestidos; hacen una coreo increíble sí, pero… ¿por qué la gaviota en Madrid está rodeada de aborígenes? ¿Esto es Acaymo o Bentejuí, un guirre en el risco? (¿quizá debió llamarse así?) Y ¿qué hacen esos subidos a las telas? Bueno esto es muy bonito pero espero que me lo piensen justificar. Pasa el tiempo y de pronto se forma una parranda y ¡alaaaaaa! 40 magos con sus timples, guitarras y bandurrias a la escena. ¡Y se ponen a bailar! pero ¿esto qué es? ¿Acaymo o el día del orgullo? (y sí, mantengo lo ambiguo que hay en lo del día del orgullo por que en realidad estamos en el mismo nivel de lo rancio. ¿Qué pasaba? Que teníamos que justificar al gobierno de CANARIAS que el Montaje era CANARIO. Por favor, de verdad, déjenlo ya que parecemos de la raza aria con tanta tontería). ¿Por qué nos hacen esto? ¿Qué pretenden? Me asaltan muchas preguntas y lo peor es que sé que nadie me las responderá. Me indigné, me indiné mucho. Pero pese a todo seguí viendo el Show (por aquello de que todo puede mejorar) así que allí me quedé: Menos mal. Lo del inicio así fue un desacierto que llenó cerca de 20 minutos de espectáculo con algo que no tenía nada que ver con lo que nos habían prometido. Muy bonito; mucha magia; pero aquello no era lo que habíamos ido a buscar. Pero por suerte, luego lo arreglaron. ¡Y que bien lo hicieron! Enlazaron todo aquel esperpento con “Acaymo” al fin y pa´ Madrid con él nos fuimos. Allí encontramos el musical.
Qué bien aprovechado estaba el espacio en Madrid. Siempre me ha gustado la sencillez a la hora de exponer ideas. También la plasticidad. Unas estructuras móviles, transformables con unos pocos elementos (un cartel de metro, a veces unas mesas y ya). Sin duda supieron aprovechar los recursos que tan dúctil escenografía les permitía y en ningún momento nos pudimos aburrir (que venga Lepage y aprenda). Los actores se ayudaban y hasta integraban la escenografía en su trabajo y con un gesto o una forma de apoyarse ya nos trasportaban a otro lugar. Por tanto, mérito más que merecido para Susana García por crear ambientes sencillos sin recargar. ¡Qué bueno lo del cartel de metro, en serio!
No podemos decir lo mismo del diseño de vestuario y esto por dos razones: la primera porque sea quien sea el que diseñó los trajes de aborígenes (llámale traje aborigen llámale cosa) merece que le retiren el título. Aquello era de vergüenza. Ver a nuestros pobres chicos intentando defender algo que el vestuario echaba por tierra dolía y mucho. En una producción semejante tales horrores no se pueden permitir. El mal gusto nunca más. La segunda razón es que por más que luego estuviesen bien vestiditos y que la indumentaria definiera bien a cada uno, no pasaba de ser un vaquero de Zara aquí y una camisa Mango allá. Otro de los fallos, aunque no garrafales de la producción fue todo el ámbito técnico de luz y sonido. Para empezar no creo que ninguno de nosotros agradezca los sintetizadores. Puestos a trabajar en este nivel búscate una buena orquesta y no te pongas a tocar con un teclado al estilo Pepe Benavente. Sí es necesario decir, por otro lado, que los músicos, con sintetizadores y todo, estuvieron geniales en tal punto que casi ni se notaba. La pena es que la sala tenga tantos problemas de acústica y que sean tan difíciles de solucionar. Casi no se les entendía nada a los que cantaban. Si no fuera porque nos sabemos las letras… Y la iluminación: deslumbrante pero recargada, exagerada y por momentos molesta; aunque esto es un musical y por tanto tenemos que habaren otras claves que son las propias del género y en ese caso no se les puede poner ni un pero. Sin justificación esta aun lo del proyector. Aun bueno reconozcamos que era muy, muy espectacular.
En lo que respecta a la estructura de la pieza parecía sencillamente que no había, sin más. Cuando se propusieron hacer un repaso de canciones lo hicieron tan ceñudamente que no repararon en que, sobre eso, algo nos tenían que contar. Y claro, si yo quiero meter una canción y no tengo originalidad para poderlo justificar es lógico que pase lo que pasó. Esta es la historia de un calzador, sin duda alguna. Canción tras canción sin justificar y cuando quiero justificarlo es tan artificial que lo nota hasta un niño.
Empezamos ahora con la parte interpretativa que aquí como estoy sin tiempo no me voy a poder explayar aunque lo haré en primer término para felicitar a Marta Viera quien era sin duda la protagonista indiscutible. Aunque no lo era en el guión sí lo era cada vez que salía a escena. Qué arte, que trabajo más completo. Un talento que nadie puede negarle a una de las mayores promesas de nuestro teatro y que a buen seguro nos guarda aun muchas noches de buen arte a su lado. De Maribel Cutillas decir que hacía mucho tiempo que no veíamos a alguien cuyas tablas le dieran tanta seguridad, seguridad necesaria para afrontar grandes retos como éste. Luego el trabajo de los protagonistas: Ardiel Ruiz Zaya y Abraham Gómez. No estuvieron mal pero es que las otras dos se los comieron. El resto del elenco demostró entrega, virtuosismo, gracia y un más que buen saber estar. Supieron afrontar el reto y dieron vida a un musical que sin ellos hubiera quedado cojo.
Así que Roxana supo escoger su equipo, encontró su Acaymo y levantó su musical; consiguió hacer real su utopía. Lo hizo con la soltura con que sólo pueden hacerlo los grandes maestros y pese a su horrible “Overtura Aborigen”, Acaymo se convirtió en un maravilloso proyecto que muchos le agradecemos de corazón. De verdad ¡Felicidades!
Y bueno por cuestiones de tiempo y espacio no me extiendo más. Cierro aquí este comentario pensando que hay esperanzas en Canarias, después de todo, de tener un gran teatro como éste y que, como es lógico, se debe poco a poco mejorar. Desde mi criterio felicitar a todo el equipo por enfrentar el género con tanta diligencia. Nos os preocupéis por los fallos que los errores con el tiempo se corregirán. Pensad que habéis hecho que el musical en Canarias ya no sea una utopía.

Nuestro Foro (fase Experimental)

2007-12-07T18:18:00.000-08:00

Saludos a todos:
Hoy os escribo para comunicaros la creación de un foro para Frecuencia Teatro. Sé que al principio será dificil y además ésto es sólo una prueba a ver cómo funciona; pero animaros y opinad en él. Podeis hablar de lo que os guste, opinar sobre el programa y sobre la programación teatral... Espero que, al menos la idea, os guste. El link es este:

http://groups.google.es/group/frecuenciateatro

I Festival Esad Málaga de Escuelas y Centros Superiores de Arte Dramático

2007-12-06T17:44:00.000-08:00

LA ESCUELA DE ACTORES DE CANARIAS INVITADA AL I FESTIVAL ESAD MALAGA DE ESCUELAS Y CENTROS SUPERIORES DE ARTE DRAMÁTICO

Alumnos de cuarto curso de la Escuela de Actores de Canarias, Centro Superior Autorizado de Arte Dramático, presentarán en el I FESTIVAL ESAD MALAGA DE ESCUELAS Y CENTROS SUPERIORES DE ARTE DRAMÁTICO, el espectáculo “La visita de la vieja dama” de Frederich Dürremat. El festival se desarrollará entre los días 13 y 16 de diciembre en la ciudad de Málaga.
La creación que se presenta fue realizada para el Taller de Teatro Contemporáneo, asignatura con la que los alumnos culminan su aprendizaje del tercer año de carrera. El montaje ha sido dirigido por la profesora de la EAC Josefa Suárez, en colaboración con el también profesor Vicente Ayala, contando también con la participación de los distintos departamentos de la EAC. En el participan dieciocho alumnos que dan vida a los distintos personajes de una historia eminentemente coral y que narra la vida de una vieja dama multimillonaria que regresa a su pueblo para vengarse de un hombre que, en su juventud, la abandonó con una hija, de regreso reclama justicia y para conseguirla no dudará en emplear el poder del dinero.
La Escuela de Actores de Canarias participará también en las diversas actividades que se realizarán dentro del ámbito del Festival, el profesor y director de la EAC en Gran Canaria Antonio Navarro, lo hará con la ponencia “Perfiles para el juego de la interpretación en el siglo que comienza”, así mismo el también profesor y director de la EAC en Tenerife Enzo Scala lo hará con la ponencia “Perfomance: El Teatro sin Amor y sin odio”. Por otra parte la profesora Josefa Suárez realizará una clase abierta de Educación Corporal en la que participarán alumnos de la EAC. En la mesa redonda que se celebrará bajo el título “Los Centros Superiores de Arte Dramático en el marco europeo de las enseñanzas artísticas”, a la que asistirán representantes de todos los Centros y Escuelas Superiores del Estado, participará el profesor y Presidente del Consejo Rector de la EAC Fernando Vecino.
Se presentarán en el Festival espectáculos interpretados por alumnos de las Escuelas y Centros Superiores de Arte Dramático de distintas Comunidades Autónomas: RESAD (Madrid), ESAD de Castilla-León (Valladolid), ESAD de Valencia, ESAD de Córdoba, ESAD de Murcia, ESAD de Sevilla y ESAD de Málaga, la programación se completará con ponencias, clases abiertas y otras actividades realizadas por profesores de los distintos Centros.
La Consejería de Educación, Cultura y Deportes a través de Canarias Cultura en Red financiará los gastos de desplazamiento y la ESAD de Málaga cubrirá la estancia de los profesores y alumnos que asistirán al Festival
La actuación de los alumnos de la EAC se llevará a cabo en la sala Cánovas de la capital malagueña el domingo día 16 de diciembre a las 20´30 horas.

PROGRAMA GENERAL

JUEVES 13 DICIEMBRE
SALA FALLA
13:00 h. RUEDA DE PRENSA. Presentación del I FESTIVAL ESAD DE MÁLAGA DE
ESCUELAS Y CENTROS SUPERIORES DE ARTE DRAMÁTICO.
13:15 h. Acto Institucional de INAUGURACIÓN.
Presidido por D. Sebastián Cano.
Viceconsejero de Educación de la Junta de Andalucía.
14:00 h. PITO, PITO, GORGORITO... Happening. ESAD Málaga.
Profesora: Dª. Blanca Vega Galán.
SALA FALLA
20:00 h. Apertura del I FESTIVAL ESAD DE MÁLAGA DE ESCUELAS Y CENTROS
SUPERIORES DE ARTE DRAMÁTICO.
20:30 h. ELEKTRA de Sófocles. ESAD Málaga.
Dirección: Andreu.

VIERNES 14 DICIEMBRE
SALA FALLA
9:30 h. Clase Abierta de ACROBACIA.
D. Juan Álvarez de Toledo Rohe.
Profesor de Acrobacia de la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga.
D. Juan Ramón Merino Bocos.
Profesor de Acrobacia de la Escuela Superior de Arte Dramático de Valladolid.
D. Gregorio Pastor González.
Profesor de Acrobacia de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid.
SALA SEMINARIO
11:30 h. ARTES ESCÉNICAS Y DIVERSIDAD: DESDE LA DEFORMIDAD A LO DEFORME.
Ponente: D. David Ojeda Abolafia.
Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León - Valladolid.
12:15 H. PERFILES PARA EL “JUEGO DE LA INTERPRETACIÓN” EN EL SIGLO QUE COMIENZA.
Ponente: D. Antonio Suárez Navarro.
Director de la Escuela de Actores de Canarias. Sede Gran Canaria.
13:00 h. JÓVENES, GUAPOS Y MODERNOS.
Ponente: D. Alejandro Jornet.
Dramaturgo, actor, director de escena y profesor titular de Interpretación en la ESAD Valencia.
SALA SEMINARIO
17:00 h. EL LENGUAJE DE LA LUZ. TÉCNICAS BÁSICAS PARA UN DISEÑO DE ILUMINACIÓN.
Ponente: D. Pedro Serrano. Acompañado de alumnos de 3º Escenografía.
Profesor titular de Iluminación de la ESAD Córdoba.
SALA FALLA
18:00 h. A VUELTAS CON KANTOR. Instalación. ESAD Málaga.
Coordinación: Blanca Vega.
18:30 h. REVENTADO de Sarah Kane. ESAD Málaga.
Dirección: Pedro Lanzas.
Profesores de Prácticas de Dirección II:
Mateo Galiano Gil
José A. Sedeño López
SALA CÁNOVAS
20:30 h. NIEVE de Maxence Fermine. ESAD Córdoba.
Dirección: Esther Sáez.

SÁBADO 15 DICIEMBRE
SALA FALLA
9:30 h. Clase Abierta de EDUCACIÓN CORPORAL.
Ponente: Dª. Josefa Suárez Hernández.
Profesora de Educación Corporal de la Escuela de Actores de Canarias.
SALA SEMINARIO
11:00 h. SÍNTESIS DE LA NUEVA TEATRALIDAD. DRAMATURGOS MALAGUEÑOS CONTEMPORÁNEOS.
Ponente: D. Manuel Barrera Beniítez.
Doctor en Filología por la UMA y Titular de Literatura Dramática de la ESAD Málaga.
12:00 h. Mesa Redonda: LOS CENTROS SUPERIORES DE ARTE DRAMÁTICO EN EL MARCO EUROPEO DE LAS ENSEÑANZAS ARTÍSTICAS.
D. Joaquín Amores Moreno – Jefe de Estudios de la ESAD de Asturias.
D. Joan Castells. Director de la ESAD Barcelona - Institut del Teatre.
Dª. Mercedes Cosme Jiménez – Directora de la ESAD de Málaga.
D. Leopoldo García Aranda – Director de la ESAD de Valencia.
D. José Gabriel L. Antuñano – Director de la ESAD Castilla y León-Valladolid
D. Ángel Martínez Roger – Vicedirector de la RESAD de Madrid.
D. Carles Molinet – Director de la ESAD de Illes Balears.
Dª. Manuela Ochoa Arcedo – Directora de la ESAD Sevilla.
Dª. Carmen Rodríguez- Secretaria de la ESAD Córdoba.
D. Juan Ángel Serrano Maseoso – Director de la ESAD de Murcia
D. Fernando Vecino Morales-Presidente Consejo Rector EAC Canarias.
Moderador:
D. Antonio Jesús González – Jefe de Estudios de la ESAD de Málaga.
SALA SEMINARIO
17:00 h. PERFORMANCE: EL TEATRO SIN AMOR Y SIN ODIO.
Ponente: D. Enzo Scala. Acompañado de alumnos de la EAC.
Profesor de Interpretación y Director de la Escuela de Actores de Canarias.
SALA FALLA
18:00 h. PITO, PITO, GORGORITO... Happening. ESAD Málaga.
Coordinación: Blanca Vega.
18:30 h. DONACLOWN LABORATORIO. ESAD de Valencia.
Dirección: Andrés Moreno Valdivieso.
SALA CÁNOVAS
20:30 h. NO HAY BURLAS CON EL AMOR de Calderón de la Barca. ESAD Murcia.
Dirección: Francisco García Vicente.

DOMINGO 16 DICIEMBRE
Mañana Cultural
9:30 h. Visita cultural a Málaga.
(Museo Picaso, Alcazaba, etc)
SALA CÁNOVAS
20:15 h. Clausura.
20:30 h. LA VISITA DE LA VIEJA DAMA de Frederich Dürrenmatt. EAC Canarias.
Dirección: Josefa Suárez.

“Móvil”, de Sergi Belbel: Un desliz lo tiene cualquiera.

2007-12-02T20:22:00.000-08:00

A veces al teatro no hay quien lo entienda. Es el teatro un mundo indescifrable donde todo tiene cabida y la sorpresa en cualquier momento puede llegar. A veces, ocurre que de pronto viene alguien, que pasa sin que lo advierta casi nadie; una compañía de pueblos, que a duras penas si llena medio teatro, en la que nadie repara y que se marcha igual que como si no hubiese venido. Y esa compañía que no vio casi nadie es extraordinaria, lo mejor que por la sala ha podido pasar en mucho tiempo pero pocos son los que han ido a disfrutarla porque nadie la conoce y eso en este mundo es igual que ser un cero. Otras veces ocurre, se reúnen en un espectáculo todos los grandes nombres, el bombo y la fanfarria, la algarabía y los alborotos ¡que suene la campana oiga! y que suene bien fuerte, que no deje de sonar, que en este teatro oiga este fin de semana disfrutaremos de los más dignos padres de nuestro arte que desde la curia o la alturas (vaya usted a saber donde viven las criaturas), nos han venido a visitar. Y lo anuncian en las ferias y lo anuncian y lo anuncian y no lo dejan de anunciar y todos como locos -¡Llévame al teatro mamá! que viene una artista, que a mi la verdad me suena de algo, y dicen que será digno de recordar. Y el teatro (casi) se llena y es para ver a este o a tal y lo que pasa es que acaba la obra y uno piensa en los 20 euros de su entradita y no sabe si tiene que aplaudir o si en sus garantías como consumidor con la entrada ha adquirido el derecho y se le permite llorar. Definitivamente, al teatro no hay quien lo entienda. Y estas cosas suelen pasar.
Cuando nos dijeron que venía a Canarias el montaje de Móvil, una de las últimas obras del maestro Sergi belbel, dirigida por ni más ni menos que Miguel Narros para su propia compañía, aunque tuvo su paso por el Centro Dramático Nacional, obra además producida por el gran Celestino Aranda que contaba con la goyizada (permítanme el termino) Maria Barranco y otros nombres pues… poco teníamos que dudar: era uno de los eventos del año. Pero después de tanto nombre y de tanta cosa la obra al final lo que fue, fue sencillamente nada. Esa es la palabra. Móvil era un gran texto (se notaba) y ellos lo pusieron en escena. Punto. Pero en esa puesta no había nada, sólo vacío; palabras por palabras. Desde el primer momento se notó la soledad de la oración en la tristeza de su verbo, en el sustantivo no valorado, el adjetivo sin nombrar, el artículo desvencijado, la conjunción sin identidad, los actores en su mundo… privando a la pieza de estilo, pues cada uno era un género y así claro señores ¿quien da más?
Yo creo que el principio de todo fue la escenografía y después de ella, ya rodado, vino todo lo demás. Desacertada e inútil son términos que la definen sin exageración alguna. No sólo no creaba espacios ni atmósferas sino que más bien las rompía. Narros quiso jugar su montaje con el signo de la simultaneidad para fluir las escenas de una pieza tan larga. Pero los actores embotados en la corbata todo el tiempo, sin juego con lo que estaba en la parte de atrás, esos paneles móviles, esas… cosas inservibles que estorbaban y distraían, que al principio hasta parecían sugerir un aeropuerto pero que como una ilusión óptica se disiparon en cualquier identidad. ¿Qué era aquello? Del vestuario nada que nombrar. Sobrio, aburrido, seco. Lo más llamativo fue cuando se lo empezaran a quitar. Mención especial merece la braga-faja de la barranco ¡No la olvidaré en mi vida!
Del aspecto técnico, luces y sonido poco a parte de que chirrió por todos lados. La motivación aun deben estarla buscando en alguna parte. Al margen de poco integrados, los sonidos eran tan desconcertantes que movían a uno a gritarles ¡cómpraos un politono!!
Nos falta nombrar a los actores quienes demostraron entrega pero no funcionalidad. Tampoco unidad ni conexión. Ya lo dije antes, cada uno jugaba su estilo y en ese desvarío el espectador andaba desconcertado siguiéndoles a duras penas de aquí para allá. La Barranco con su maravillosa bis cómica, que hacia gala de maestría interpretativa, sintió la falta de las tablas, la ausencia prolongada por 20 años. Mélida Molina, dramática y resuelta era la que mejor conectaba con ese estilo sórdido de Belbel y por consiguiente la que mejor nos supo descubrir lo que la pieza no quería contar; pero estaba perdida en su isla (a la que nunca llegaron “los otros” ). Marina San José tampoco destacaba en su papel de hija; mecánica aunque dulce, nos faltó algo de fuerza para poder creérnosla. Dejo para el final el que sin duda fue el caso más singular: Raúl Pietro jugaba y esto de forma literal y esto tiene su parte buena y esto tiene su parte mala y ahí es donde todo se echa por tierra. Muy metido en su papel de hijo infantilón e inmaduro cuidaba mucho la arquitectura de su personaje, pero sus excesos: ladriditos, saltitos, caiditas… le destrozaban todo el trabajo. Con cada una de sus salidas, el publico empezaba a ver otra obra distinta de la que había en cartel en ese momento. Faltó sin duda la integridad de un equipo.
Así que Narros esta vez no estuvo fino. No supo hilar la pieza, darle unidad ni sentido, ni tampoco innovar. El mismo director que nos conmoviera con "¡Ay, Carmela!" nos trajo ahora un montaje plano sin riqueza alguna. Tal vez, las prisas le pudieron más que su maestría; convertirse en una franquicia tenía que pasarle factura. Aunque Narros se lo puede permitir. Es uno de los mejores directores de España y como todos se puede equivocar. Un desliz lo tiene cualquiera.
Por tanto después de tanto nombre, la fanfarria y todo lo demás, al final la pieza era poca cosa, aunque será mejor decir que esperábamos demasiado e igual no fura tanto mala como desengaño. Estas son las maravillas del teatro. Debemos aprender de esto lo que el Teatro nos quiere enseñar. A veces es mejor informarse y no dejarse engañar. Miremos la pequeña compañía de barrio, apoyémosla porque ellos serán el futuro de nuestra escena y no sólo los grandes nombres nos tienen algo que enseñar. La segunda lección que nos queda de todo esto es que “los grandes” también se equivocan pero como somos humanos estas son cosas naturales y se las debemos perdonar.

Este fin de semana "Móvil" de Sergi Belbel con María Barranco. Dirección de Miguel Narros

2007-11-16T03:08:00.000-08:00

COMPAÑÍA MIGUEL NARROS / CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL
Móvil narra la historia de dos mujeres, Sara y Claudia, y de sus hijos Jan y Rosa, de 27 y 30 años respectivamente. Cuatro personas que se comunican casi exclusivamente a través de sus teléfonos móviles y cuyas vidas se entrecruzan en un aeropuerto donde acaba de producirse un atentado con bomba que transformará sus vidas.Comedia teñida de humor amargo, en la que también se entrecruzan relaciones normales, equívocos igualmente normales, sinceridad y falsedad, comunicación e incomunicación... y como telón de fondo, la influencia del terrorismo sobre lo cotidiano El texto de Sergi Belbel y dirigida por Miguel Narros, nos cuentan pequeñas historias de amor en medio de la desgracia. Amor con sexo y sin sexo. Amor (y desamor) familiar. Historias sencillas de cordones umbilicales cortados o todavía por cortar. En un mundo tecnológicamente avanzado que gira en torno a ese pequeño objeto del que no podemos prescindir. Ese absurdo, no el móvil en sí, sino esa necesidad, esa dependencia.

Jose Carlos Campos salvado

2007-11-12T13:55:00.000-08:00

Felicidades Jose Carlos
Finalmente jose Carlos Campos ha logrado pasar a la siguiente ronda del programa "El rey de la Comedia" al no haber sido expulsado tras estar nominado la semana pasada. Por ello desde aquí felicitarte amigo y que tengas en adelante mucha mucha mierdaaaa!

Nos quitan el Festival Internacional Clownbaret

2007-11-11T09:14:00.000-08:00

El Fic (Festival Internacional Clownbaret) ya no interesa al ayuntamiento de la ciudad de La Laguna. Así nos lo pudo confirmar su creador Brian Rodríguez hace una semana. De esta manera, salvo que hayan cambios de parecer, este festival que en apenas dos ediciones ya se había convertido en un referente cultural para la isla de Tenerife, corre el riesgo de desaparecer. Después de haber contado en su cartel con grandes entre los grandes del género como Pepa Plana, Jango Edwards o Carlo Colombaioni ahora el ayuntamiento que en la pasada legislatra le dio todo su apoyo se lo retira sin más. Así, pendientes de que otros ayuntamientos acudan a la voz de socorro para intentar salvarlo, por de pronto el FIC 2008 no se celebrará. Veremos que pasa.

Salvemos a José Carlos

2007-11-09T04:04:00.000-08:00

Amigos, Jose Carlos Campos nos necesita. Le han nominado injusamente en el programa el "Rey de la Comedia" y eso no lo podemos permitir.

Salvemos a Jose

Envia REY JOSE al 5152 o llama al 905445201

Jose Carlos, estamos contigo. Te lo mereces. Eres el mejor.

"Las visitas deberían estar prohibidas por el código penal", homenaje a Mihura. "Todo" un Centro Dramático

2007-11-08T16:37:00.000-08:00

Tuvimos la suerte, hace unas semanas, de encontrarnos con el regreso a Tenerife de todo un centro Dramático. Y todo el Centro Dramático fue espectáculo. Y Digo lo de todo y recalco lo de espectáculo por que con su llegada aquí se armó una muy buena. Y es que a parte de los actores, que estuvieron realmente impecables, los que les acompañaban (el correspondiente equipo técnico) también hicieron (esto fuera de la escena) su parte de espectáculo. Hasta aquí viajó hasta el utillero. Y Claro, en esas circunstancias por muy buena que sea tu obra, difícil es que no termines cabreando al personal. Hasta tres ayudantes por cada técnico era un gasto energético innecesario que la verdad por mucho que me guste el teatro a mi no me gusta pagar. Y el problema es que lo pago yo, y lo pagan todos los demás. Y pagar a alguien para que reparta el orden del día no se yo si me gusta. Vale que es el Centro Dramático pero no por ello hacía falta un ejército de técnicos, ayudantes del técnico, suplentes del técnico, suplentes del ayudante del técnico por si el técnico se pone malo… por ser un Centro Dramático no la tienen que armar; no es necesario insistir en el drama. Mejor se hubieran limitado a la comedia (que eso sí que se les da y Don Miguel debe andar bien contento con su homenaje) y de paso debieran recordar que el teatro es precario por naturaleza, enfermizo desde siempre y que ahora ellos no lo van ha transformar en un monstruo dos cabezas por más que se gasten dinero en técnicos (Ya sé que hay que mantener a las líneas aéreas pero la paciencia tiene un límite).
Ahora mejor hablar de la obra no sea que con tanta cosa me gaste yo también en los técnicos más de lo que ellos deben y también por que es de mal gusto hacer una crítica teatral y no mentar la obra. El centro Dramático nos trajo hasta Canarias una recopilación de algunos de los textos y de los personajes más hilarantes del poco valorado Miguel Mihura, grande entre los genios del panorama cultural de siglo pasado. Don Miguel, siempre presente, aun también ausente y todos expectantes. Expectantes los actores, expectantes los espectadores, expectante hasta el aire. Pocas veces se logra una voz de clamor tan clara. Un salón de casa que ni es salón ni es casa acoge a unos señores que ni son señores ni son nada y a la vez son de Logroño y en un mismo tiempo son una vaca ourensana. Dos de ellos esperan y suena la campana: ¡dong! una; ¡dong! dos; ¡dong! tres… así hasta diecisiete (que las conté) -pues sí que se ha hecho tarde- y de repente todo encaja. Empieza la locura ¡y todo desde las primeras palabras! Todo medido, todo milimétrico, allí no falló nada. La escena se componía de una mesa (que por seguir la costumbre diremos que ni era mesa ni de ser mesa dejaba) que para todo se usaba: era asiento, era tarima, era corredor y los actores, allí subidos, componían portales de belenes y teatrillos y mil cosas varias. Sillones alrededor, unas salidas y una lámpara, doce actores paseábanse por la esperpencia humana. No había nada que desencajara; la atmósfera de “no ser” estaba perfectamente conseguida, la luces iban a un tiempo y en aquel absurdo no había época pero tampoco faltaba. Todos esperando a Don Miguel y mientras esperan, hablan, hablan y hablan. Felicitemos por tanto a José Luís Raymond (creador de la escenografía) por demostrarnos que la sencillez, lo teatral y lo efectivo no tienen que estar reñidos ni entre sí ni con la capacidad de crear ambientes: lo irregular y lo sin sentido para resumir la esencia de lo que las palabras contaban.
Siguiendo con los aciertos miremos los vestidos: ¡menudo el vestuario! definiendo a cada uno en si mismo, del ladrón hasta la monja y que bien vestida Nuestra Señora de los Calditos. Tampoco falló la música, ni el sonido. Hubo hasta una pieza de ópera-zarzuela que probablemente se convertirá en un autentico hito. Y la iluminación, perfección esa es la palabra. En resumen: eran demasiados técnicos, cierto; pero que bien trabajaron (los que trabajaban).
Lo mismo hacían los actores. Qué gusto, qué tablas, qué técnica. Eso es actuar. Y no es que lo tuvieran fácil en una obra en la que constantemente hablaban y hablaban y hablaban y después con el mismo peso de pronto se callaban emulando al mejor Bekett. Partían de un texto que probablemente era la primera vez que se interpretaba pues había sido escrito como viñeta o como artículo en su mayor parte, no como parte de una obra de teatro. Tampoco, por eso mismo, podían componerse un todo pues no había un todo. “Todo” eran fragmentos seleccionados (maravillosamente hilados por Ignacio del Moral y Ernesto Caballero) y por sí solos poco ayudaban. Por otro lado, difícil alejarse del cliché, difícil no actuar, y todo ellos lo lograban con una maestría digna del más preparado acróbata. Carmen Gutiérrez, Natalia Hernández, Susana Hernández, María Jesús Llorente, David Lorente, José Antonio Lumbreras, Jorge Martín, Carles Moreu, Rosa Savoini, Natalie Seseña, Juan Carlos Talavera y Pepe Viyuela lograron lo que pocos habían conseguido en mucho tiempo: una interpretación completa, compleja y lo mejor de todo, sin tibiezas ni un solo descuido. Todos de acuerdo. Una de las obras de teatro más completas de las últimas fechas.
Por tanto, con la obra, todos muy, muy contentos pero los responsables del Centro Dramático Nacional, en especial su director, Gerardo Vera, debieran replantearse su política de giras pues pagar dos veces (una por la producción y otra por girar) un mismo espectáculo es algo que a nadie gusta. Déjense ya de grandezas que puede que ustedes no, pero aquí ya estamos hartos de pagar la insularidad y no nos gusta que nos la vengan recordando. Bastante tenemos con depender muchas veces de si tenemos o no tenemos barcos para tener o no tener teatro como para que encima resulte que al final nos encontraremos con que las visitas del Centro Dramático deberían estar prohibidas por el código penal porque son un robo y un auténtico asalto (pese a todo su buen teatro).

Imanol Suárez

La Antígona que quiso ser Creonte

2007-10-27T06:54:00.001-07:00

El pasado fin de semana vivimos en el teatro guimerá una de esas noches donde más que nunca el teatro fue en una discusión sobre lo que es en si mismo y lo que debería haber sido. En las puertas del coliseo todos esperaban y en su interior todo estaba preparado. Una escena llena de ceniza (dicho esto entre comillas) un árbol (esto dicho entre interrogaciones) y un trono que por entonces permanecía vacío. Se inició entonces el ritual: se abren las puertas, entran los espectadores (los pocos que fueron: que no muchos se enteran del dos por uno y 15 euros por el paraíso es un precio muy alto), se apagan los móviles, suenan dos campanas, entran lo actores, se sientan en los laterales, suenan tres campanas, se funden las luces y los actores de pronto son personajes que deambulan encapuchados siendo una suerte de coro que clama en la nocturnidad y en la alevosía. Teatro. Por fin, teatro.
Vaivén Producciones venía desde Mérida, partiendo de su Euskadi natal, para presentarnos en Canarias su Antígona. Y esto es precisamente lo que fue: su Antígona. Acabó la función y como siempre los coros a las puertas (no podríamos vivir sin ellos). Una conclusión clara: Esto no era Antígona la universal pieza de Sófocles sobre el rango y el valor de los poderes humanos y divinos. Esto era Creonte, un drama sobre la soledad y la pérdida. No es que esté mal; es sólo que podían haberlo advertido para que no fuésemos desencaminados al teatro y pillásemos el camino correcto por el que debíamos introducirnos en su esfera.
A partir de aquí, ¿errores? eso nos pasa a cualquiera. Vaivén propuso que su obra fuera teatro y antes que nada teatro y lo consiguió. Los actores junto a los personajes, tan cerca pero tan alejados, es algo que sin ser nuevo se agradece en este mundo en el que algunos por ello te pueden llamar trasnochado. Cierto es que se notaba que no estaban muy a gusto con una escena que habían tenido que recortar para que literalmente cupiera. Y cierto es que en una escena casi vacía, sobraba y más que sobraba el susodicho árbol. Los terrenos del poder y de la nada ya estaba marcados (las cenizas después de la guerra y el trono que es lo único que queda y donde Creonte se aísla cada vez más). Pero el árbol ¿para qué el árbol? mejor se hubiese ahorcado allí Antígona al ver que le robaban su obra y le quitaban, le arrebataban su propia muerte. Cierto es que no estuvieron acertados con el vestuario (que mejor se hubiesen vestido todos de negro) y que decir de la música… de la música mejor no hablar. Mejor no hablar de la técnica en general. Más que nada por que el teatro por regla general suelen hacerlo los actores y todo lo demás no debe afectarnos para decir que ahí si estuvieron acertados. Unos menos, otros mucho más, en la obra (no digo Antígona por no enfadarla más) había un buen nivel actoral. Mención especial merece el joven hijo de Creonte que ante los desvaríos de un Creonte excesivo y empujón salvaba la escena cada vez que entraba. ¿Y la mejor? la que menos sale. La mujer del autoproclamado rey que daba tanta verdad que provocaba moverte en el asiento de gusto ¡eso era actuar! Ahora Antífona: la señora Antígona. Decir que no podía ser tan mayor y que no podía ser tan vasca son dos desvaríos que pocos se atreverían a soltar. Antígona vieja, rotunda, firme y segura y no decir más. Los que dicen que Antígona tiene que perder su acento, que en pocas ocasiones se notaba, se tiran piedras sobre su propio tejado. Somos canarios y tenemos acento y llevamos años luchando para no tener que perderlo. Disfrutemos del teatro y ya está.
El teatro en el Guimerá cada día parece más un juego de quiz: A saber que nos tocará la siguiente vez. No es que me queje, que tenemos una suerte única. Pero considerando lo visto y lo oído, la verdad es que no sabe uno qué pensar. Sea un ciclo de clásicos o un baile de concejales. Antígona vino y los actores sobre su escena hicieron teatro y en ocasiones hasta buen teatro. Antígona debió llamarse Creonte, pero por ello el teatro no se va a derrumbar y hay que ver de todo.

Vuelve Frecuencia Teatro

2007-10-25T18:20:00.000-07:00

El pasado día 18 de octubre volvió a la emisión el programa radiofónico “Frecuencia Teatro” en las ondas de “Radio Unión Tenerife”. Este formato que comenzó su andadura en el mes de enero, fruto del acuerdo entre la “Escuela de Actores de Canarias” y la citada emisora, continuará su trabajo, tras su descanso estival, en la misma franja horaria que lo hiciera en su primera temporada. Así podrá escucharse todos los jueves a las 11:30 de la mañana en las ondas de “Radio Unión Tenerife”. De igual modo se mantendrá la repetición en diferido los lunes a la 22:00 horas.

Tras haber contado en su primera temporada con figuras como Carlos Hipólito (“El Método Grönholm”), Xavier Boada (“Els Joglars”) Rubén Ametllé y Angelina Llongeras (“La Fura dels Baus”) Ricardo del castillo (“Morfema”) Aranza Coello y Nacho Almenar (“Burka Teatro” compañía seleccionada para representar Canarias en los Premios Max)… con representantes de compañías como 2RC, Abubukaka, Clownbaret… con actores, directores, dramaturgos y otros agentes de la actividad teatral… “Frecuencia Teatro” vuelve con la intención de continuar el camino empezado. Siendo un programa dedicado única y en exclusiva al mundo del teatro, desde su inicio ha pretendido contribuir a fomentar y publicitar la actividad teatral a nivel tanto insular como regional (cuando le ha sido posible). Este formato conducido por Imanol Suárez, Naomi Hernández y Verónica Acosta incorporará nuevas secciones y mantendrá su propuesta de rigor y profesionalidad con la intención de llevar hasta el oyente la mejor y más completa información.

Desde “Frecuencia Teatro” esperamos poder seguir llevando hasta sus casas un programa de calidad centrado y comprometido con el teatro de nuestros días.

“Frecuencia Teatro” Todos los jueves a las 11:30 horas en Radio Unión
Tenerife. (FM 95.3 y 105.3 área metropolitana; 95.6 zona norte y 105.3 en la zona sur; emisión digital en www.radiouniontenerife.com) Repetición en diferido: lunes a las 22:00 horas.
Contacto: información, opiniones, críticas…: frecuenciateatro@hotmail.com